O Negativo Queimado

O fim... e um recomeço

2008-11-06T11:48:00.002-02:00

Agora acabou mesmo. Criei outro blog que (assim espero) será melhor e mais forte que este. Vou sentir falta de alguma coisas deste aqui, mas é importante se renovar de vez em quando, ainda mais quando você se sente emperrado. O Negativo Queimado vai continuar on-line, mas não haverá novos posts. Em compensação, talvez eu republique lá algumas coisas que postei aqui.

E agora, senhoras e senhores, conheçam O Cinema Tem Seu Encanto! ___________________________________________________________

Perto do fim

2008-11-05T16:07:00.004-02:00

Pois é, após pensar um bocado, decidi encerrar as atividades neste blogue. Criei outro e quando ele estiver pronto pra começar (provavelmente hj ou amanhã) eu posto o link aqui. Há tempos eu andava insatisfeito com o andamento deste blogue (na verdade, também comigo mesmo como crítico e cinéfilo, mas isso é outro história). Visualmente falando, o blogue é (sem falsa modéstia) ótimo e com várias idéias muito boas, que ao longo dos anos quase formaram um conceito coerente. Na verdade, se a gente examinar ele bem, O Negativo Queimado tem uma estrutura que lembra mais uma revista virtual que um blogue. O que na teoria até poderia funcionar, mas precisaria duma dedicação maior minha ou talvez simplesmente de mais tempo livre. O lay-out caprichado e cheio de recursos, por exemplo, era uma qualidade, mas exigia de mim um tempo extra precioso a cada atualização.

O novo blogue é mais espartano, com um conceito que (assim espero) será tanto livre e versátil quanto forte e coeso. Espero que gostem. Aguardem meu post fatídico com o link pra lá. Obrigado por serem meus leitores e até breve. ___________________________________________________________

A Floresta dos Lamentos

2008-11-03T21:21:00.003-02:00

(Naomi Kawase, 2008)

Hoje, na minha terapia, rolou uma discussão interessante sobre crítica de cinema. Minha psicoterapeuta disse que cinema é uma coisa muito subjetiva, ou melhor, projetiva. Resumindo, cada um enxerga o que quer quando vê um filme. Respondi que entendia o ponto de vista dela e que até certo ponto concordava. Na verdade, até houve uma época em que concordava inteiramente com ela.

Só acrescentei que hoje, pra mim, o importante numa crítica de cinema era perceber as evidências do filme e saber passar no texto o que o filme é (mais difícil do que parece, mas nem tanto assim). Aí sim, sempre partindo dessas evidências, fazer uma defesa dos princípios estéticos que o crítico acredita. E que as vezes nem o próprio crítico tem certeza de quais são. Aliás, acho que a cinefilia militante ao longo dos anos é que vai deixando claro pro próprio crítico quais são os valores dele. Desde que ele não transforme esses valores em dogma. Bom, como se vê, é uma discussão longa e cheia de pormenores.

O ponto em que quis chegar conversando com ela (e quero chegar neste texto) é este. A subjetividade existe, não adianta negá-la. Na verdade, não acho que ela seja inimiga da crítica de cinema. Só que ao se discutir cinema existe um risco de perdermos certas âncoras e transformarmos a crítica de cinema num jogo argumentativo onde ganha quem tem o melhor argumento. Não é de todo incomum ver até o melhor dos críticos usar argumentos fantásticos pra defender filmes nem tanto. Ou melhor, argumentos que tentam transformar o filme numa coisa que ele não é. Quem perde é o filme, porque mesmo se ele estiver sendo superelogiado, a crítica dele fica mais importante que o próprio filme.

Acredito que isso aconteça muito com certos tipos de cineastas, como Terrence Malick e agora Naomi Kawase (talvez por serem cineastas muito sensoriais). “Mesmo sem querer, querendo”, seus filmes encorajam críticas altamente subjetivas, impressionistas, apaixonadas. O que aliás, não é ruim, embora a unanimidade deste tipo de abordagem em casos assim me incomoda.

Veja o caso de A Floresta dos Lamentos da Kawase nesta Mostra SP. Muita gente que respeito profundamente considera o filme uma obra-prima. Outros tantos igualmente respeitáveis acham o filme apenas bom. Eu e mais alguns ficamos no meio do caminho entre estes pólos. O problema é que nos textos do primeiro grupo eu li muita paixão e impressionismo, mas pouca evidência que (mesmo discordando) me faça entender o que viram neste filme.

O que complica mais a situação neste caso é que os outros críticos e cinéfilos também não conseguiram expressar sua discordância satisfatoriamente. E eu me incluo nessa. Se você me perguntar agora porque A Floresta dos Lamentos é um grande filme, mas não uma obra-prima, não serei capaz de murmurar mais do que um “o filme tem momentos fortíssimos e outros nem tanto”. Pra ser mais elaborado que isso, só revendo o filme mesmo. O que de certa forma até depõe a favor do filme, mas certamente não do(s) crítico(s). ___________________________________________________________

Este blogue, este escriba

2008-11-03T21:08:00.002-02:00

Sabe por que este blogue nunca realmente decola, apenas (em seus melhores momentos) ameaça decolar? Bem, tem a já conhecida preguiça e desorganização de seu escriba. Mas o problema fundamental dele é que ele pode até ser bonitinho de olhar, mas tem frescura demais. É hora de ser mais rigoroso e cortar as firulas. Talvez seja até hora de criar outro blogue, de preferência com um conceito mais forte. ___________________________________________________________

32ª Mostra Internacional de Cinema (Balanço Final)

2008-11-03T15:56:00.002-02:00

Confesso que de um modo geral esta Mostra não me empolgou muito. A seleção deste ano teve poucos filmes que já me interessavam previamente (filmes bem falados, cinestas conhecidos, etc) e poucas surpresas que realmente valeram a pena. Entre elas, o português Aquele Querido Mês de Agosto (meia surpresa, já que tinha sido bem falado no Rio), os vampiros suecos de Deixe Ela Entrar e o francês esquisito (e bota esquisito nisso) Steak. Fiquem com o meu Top 5 desta mostra:

1º Aquele Querido Mês de Agosto (Miguel Gomes, 2008)
2º A Fronteira da Alvorada (Philippe Garrel, 2008)
3º Sonata de Tóquio (Kiyoshi Kurosawa, 2008)
4º A Floresta dos Lamentos (Naomi Kawase, 2008)
5º Deixe Ela Entrar (Tomas Alfredson, 2007)

Melhor Ator:

Os três Reis-magos de O Canto dos Pássaros

Melhor Atriz:

A menininha assustadora de Deixe Ela Entrar.

No mais encerro minha cobertura da Mostra por aqui, já que é improvável que eu compareça a qualquer uma das sessões de respecagem. E lamento ter escrito muito pouco sobre os filmes que vi, seja aqui no blogue ou na Paisà. Vontade e idéias não me faltaram, mas a desorganização sobrou. Isso, porém, é assunto pra outro dia. ___________________________________________________________

A primeira mancada da Mostra 2008

2008-10-28T16:44:00.004-02:00

Ok, talvez não tenha sido a primeira, mas certamente foi a maior até agora. A estréia no Arteplex de Nucingen Haus, do sempre esquisito Raul Ruiz, foi um tremendo fracasso. E pra azar do Leon Cakoff, a platéia não poderia ter sido a mais exigente possível: a maior concentração que vi numa sessão até agora de críticos da Contracampo, Cinética e Paisà (incluindo este escriba).

Com um minuto de projeção já dava pra perceber que a cópia era uma DVD-Cam vagabunda, com cores distorcidas, chuviscos e fantasmas na tela. Pior, dava pra perceber que cópia foi gravada na janela errada, já que as legendas em inglês estavam cortadas pela metade. Ou seja, dessa vez a culpa não era do projecionista. O que talvez fosse culpa do projecionista era que a projeção estava ocorrendo sem som (como o Ruy Gardnier apontou na cervejada ocorrida depois, provavelmente porque o filme estava sendo exibido em velocidade rápida).

Em menos de cinco minutos a debandada foi geral pra exigir o dinheirom do ingresso de volta. Se a Mostra não tomar vergonha na cara e cancelar as exibições do filme (mesmo consertando o problema do som, a cópia do filme é inadmissivel) evite de qualquer jeito Nucingen Haus. ___________________________________________________________

Segurando as Pontas

2008-10-26T15:49:00.003-02:00

(David Gordon Green, 2008)

Revista Paisà atualisada. Minha primeira contribuição pra cobertura da Mostra SP. O filme maconheiro de David Gordon Green é muito bacana, inperdível até, ainda que ligeiramente decepcionante. Minha pequena crítica tenta dar conta dessa contradição. Pra ler minha crítica, clique aqui. ___________________________________________________________

Laura Smet

2008-10-20T00:54:00.002-02:00

A melhor descrição da beleza de Laura Smet eu ouvi do Francis após a cabine de A Fronteira da Alvorada. Nas palavras dele: "num filme ela pediu pro cara matar alguém e ele matou. Em outro ela pede pra ele se matar e ele se mata". Perfeito. ___________________________________________________________

Mais um dia, mais um ano

2008-10-16T18:00:00.002-03:00

Já estou de volta ao Brasil. Hoje faço 27 anos de estrada percorrida. Ainda com muito a ver e aprender. E o mais importante: com vontade de fazer tudo isso. ___________________________________________________________

Férias no Chile

2008-10-04T22:16:00.003-03:00

Pois é, gente. Amanhã, dia 5, viajo pro Chile e só volto dia 12. Ficarei aproximadamente dois dias em Santiago e no restante vou conhecer o deserto do Atacama. É improvável - mas não impossível - que eu atualize o blogue durante este período. Se o fizer, é claro que será sobre a viagem que estou fazendo. E quando eu voltar, certamente vou ter muita coisa pra escrever a respeito. Tanto sobre a viagem, quanto mudanças pessoais (emprego novo, aniversário dia 16) e, é claro, cinema. Afinal, a Mostra SP começa em breve.

Um abraço a todos! ___________________________________________________________

SETEMBRO

2008-10-01T23:48:00.006-03:00

Salas de Cinema

Canções de Amor (Christophe Honoré, 2007)
Hellboy 2 - O Exército Dourado (Guillermo del Toro, 2008)
Linha de Passe (Walter Salles & Daniela Thomas, 2008)
O Nevoeiro (Frank Darabont, 2007)
Trovão Tropical (Ben Stiller, 2008)

Mostras

O Ladrão Silencioso (Russell Rouse, 1952)

Casa

Alphaville (Jean-Luc Godard, 1965)
Atalante (Jean Vigo, 1934)
Anjo do Mal (Samuel Fuller, 1953)
Contos da Lua Vaga (Kenji Mizoguchi, 1953)
Fim dos Tempos (M. Night Shyamalan, 2008)
O Mensageiro Trapalhão (Jerry Lewis, 1960)
Winchester '73 (Anthony Mann, 1950)

Em casa foi o mês das belas descobertas (Fuller, Vigo, Mann) e necessárias revisões (Shyamalan, Mizoguchi). Em compensação, nas salas de cinema o mês foi de filmes curiosos, embora poucos tenham sido realmente memoráveis. Basicamente foram filmes que valeram mais por partes do que pelo todo. Desses, o melhor talvez tenha sido mesmo Linha de Passe. Digo talvez, porque é o típico filme arriscado, mas torto e cheio de defeitos que costuma me interessar num primeiro momento mas cair numa revisão. Seja como for, o melhor filme que vi na tela grande este mês, na verdade o melhor filme do ano até agora (!) não aparece no ranking porque se encaixou na categoria Cabines & Pré-estréias: trata-se do fantástico - em todos os sentidos - Diário dos Mortos. Confesso que, apesar de ter George Romero na mais alta conta, nem eu esperava gostar tanto do filme... ___________________________________________________________

Trovão Tropical

2008-09-25T15:14:00.003-03:00

(Ben Stiller, 2008)

Revista Paisà atualisada. Vale muito a pena ler a revolta de meu editor Sérgio com Linha de Passe e Mamma Mia! (mesmo que eu não concorde com a opinião dele sobre o filme do Salles). Enquanto isso, tem texto meu sobre o filme do Ben Stiller. Gosto do que escrevi, mas lamento não ter me aprofundado no fato de ser um filme sobre atores, atuações, etc. Pra ler minha crítica, clique aqui.

Trailer:

Clientes inesquecíveis # 2

2008-09-22T18:16:00.001-03:00

Era uma tarde movimentada na Livraria, talvez um sábado ou domingo. Eu estava no caixa quando recebi uma ligação do térreo para ficar de olho no cliente de mochila aberta que estava subindo.

Nessa época eu já sabia perceber quando um cliente é encrenca em potencial. Não recebi treinamento especial pra isso. É um instinto que você ganha após trabalhar alguns meses no comércio. Discretos ou excêntricos, simpáticos ou chatos, alguns clientes simplesmente disparam seu desconfiômetro. Eles devem emitir algum sinal que a gente capta de maneira inconsciente. Talvez através de linguagem corporal ou exalando um odor diferente. Seja o que for, surge uma voz na sua cabeça: “De olho nele!”

O cliente de mochila aberta que subiu as escadas naquele dia era do tipo excêntrico. Mas não era a mochila ou a roupa (sandálias, pijama e quepe) que gerava desconfiança. Clientes assim entram aos montes todos os dias lá. Era algo invisível, que despertava aquela voz na cabeça que mencionei antes. Dessa vez, muito mais alta do que de costume. Apesar da cara sonolenta, ele era assustador. O sujeito andou até o final do andar e sentou-se silenciosamente num sofá. De frente pro nosso caixa. Alertei com um bilhete a colega ao meu lado. Não foi necessário – ela também tinha uma voz na cabeça.

Nós dois continuamos com nosso dever. Dentro do caixa, atendíamos os diversos clientes daquela tarde – sem nunca perder de vista nosso homem. Não havia nada perto daquele sofá para ser roubado, mas essa logo deixou de ser nossa preocupação. O homem permanecia imóvel enquanto ficava nos encarando com um rosto inexpressivo. Os minutos se arrastavam enquanto o desgraçado permanecia na mesma posição, com o mesmo olhar. Talvez esperasse uma distração nossa. Talvez saboreasse nosso medo. Talvez estive se comunicando com homenzinhos verdes. Talvez.

Voltei a ouvir minha voz interna: “E se ele puxa uma metralhadora aqui mesmo?” Minha morte ficaria legal num filme do Gus Van Sant, mas o provável é que virasse assunto pro Bruno Barreto. Finalmente, 15 minutos depois, o idiota se levanta e se dirige a escada. Passa por mim e eu respiro aliviado. “Vocês têm Tristão & Isolda?”, era o psicopata, espreitando atrás de meu ombro! “O filme?” Ele foi incisivo: “a música” Pesquisei no computador. Felizmente não tínhamos nenhuma versão de Tristão & Isolda. Ele agradeceu e foi embora. Dentro de seu cérebro, lesado no útero ou pelo tempo, havia espaço para cultura. ___________________________________________________________

O Nevoeiro

2008-09-21T18:51:00.003-03:00

(Frank Darabont, 2007)

Numa pequena cidade dos EUA, um misterioso nevoeiro ocultando criaturas mortais obriga um grupo de pessoas a se refugiar num supermercado. Com um argumento desses, O Nevoeiro poderia ter sido um filme de John Carpenter ou George Romero. Na verdade foi dirigido por Frank Darabont, que não tem um décimo do talento dos outros dois. Apesar disso, ele consegue fazer um belo trabalho como diretor, principalmente ao usar a névoa pra criar tensão e suspense. Presos no supermercado, os personagens – e os espectadores – não conseguem enxergar as ameaças que rondam lá fora. Também não conseguem enxergar (estou sendo metafórico) as ameaças do lado de dentro. Como sempre, o ser humano é mais assustador que qualquer bicho-papão. A desconfiança e a incapacidade dos sobreviventes de se organizarem fazem mais vítimas que monstros na neblina.

A partir deste começo tão promissor, duas coisas acontecem com o filme. Primeiro a positiva: O Nevoeiro vai ficando cada vez mais tenso e assustador. Como cinema de horror, uma jóia mesmo. Agora a negativa: os personagens vão ficando cada vez mais desinteressantes. No princípio do filme, ainda não sabemos direito quem é quem. Por isso ficamos na mesma dúvida dos personagens: qual é a melhor atitude a ser tomada contra o perigo do nevoeiro? Mas isso infelizmente vai se perdendo, conforme Darabont separa os sobreviventes em dois grupos, os histéricos e os sensatos. Essa é uma das razões pelas quais George Romero é um mestre. Nunca um personagem de seus filmes está certo o tempo todo, é só conferir o seu recente e extraordinário Diário dos Mortos. Comparado com ele, Darabont é só um aluno esforçado.

A falta de colaboração faz uma vítima:

Clientes inesquecíveis # 1

2008-09-05T15:07:00.003-03:00

Daqui a mais ou menos duas semanas vou sair do meu emprego de vendedor na Livraria da Vila pra trabalhar como funcionário público na Secretaria de Agricultura e Abastecimento do Estado. É com certa dor no coração que faço isso porque conheci pessoas muito, mas muito legais mesmo na Livraria. Como parte do ritual de despedida eu farei uma série de posts sobre alguns dos clientes mais incríveis (no bom e no mau sentido) que já encontrei na Livraria. Depois disso, é bem provavél que eu escreva mais sobre as amizades que fiz lá, as coisas que aprendi e como tudo isso mexeu comigo. ___________________________________________________________

Uma senhora de aproximadamente 70 anos entra no meu setor (CDs e DVDs). "Vocês têm discos do Nirvana?", ela se dirige até mim. "A banda de rock?", eu hesito. A velhinha confirma. Eu a levo até a banca onde os CDs do Nirvana estão expostos. "Por enquanto só temos esses aqui. Você quer alguma ajuda pra escolher?". A senhora nega e, sem hesitar, escolhe um. "Quero este". Eu entro no caixa (nós temos um no andar) e inicio o processo de compra da registradora. Enquanto isso, ela segura o CD na mão e começa a falar sobre o grupo. "Esses rapazes... eles eram tão bons, tão talentosos. E ele então (Kurt Cobain)? Tinha tanto futuro, porque teve que jogar tudo fora?" Finalmente termino o processo de compra e faço a pergunta que estava morrendo de vontade de fazer. "Você quer que eu embrulhe pra presente?". A senhora nega. "É pra mim". E vai embora da Livraria e da minha vida tão surpreendente quanto entrou. Só depois disso percebo que ela comprou Nevermind, justamente o CD que estava querendo acrescentar a minha coleção. Filha da... ___________________________________________________________

O Procurado

2008-09-04T22:54:00.005-03:00

(Timur Bekmambetov, 2008)

Revista Paisà atualizada. Poucos textos novos, verdade, mas tem um texto bacana sobre o DVD O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro. Além da minha crítica pra O Procurado, um filme tão chinfrim que eu só assisti porque era pauta pra revista (Filipe, você me deve R$16,00!). Pra ler minha crítica, clique aqui.

Conhecendo Angelina Jolie:

AGOSTO

2008-09-04T22:40:00.009-03:00

Salas de Cinema

Encarnação do Demônio (José Mojica Marins, 2008)
Nome Próprio (Murilo Salles, 2007)
O Procurado (Timur Bekmambetov, 2008)

Casa

Alemanha, Ano Zero (Roberto Rossellini, 1947)
Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)
Monika e o Desejo (Ingmar Bergman, 1953)

Foi um mês em que estréias desinteressantes aconteceram quando o cinema deixou de ser prioridade (por enquanto...). A exceção foi o belo filme do Mojica e o subestimado Nome Próprio - dois nacionais, quem diria. Aguardem novidades. ___________________________________________________________

O Grande Irmão nas Olimpíadas

2008-08-25T13:45:00.004-03:00

Só pra que não digam que fiquei quieto sobre essas Olimpíadas, alguns comentários rápidos:

1- Tudo bem, qualquer cidadão razoavelmente bem informado ouviu falar da manipulação digital dos fogos-de-artifício e da dublagem da chinezinha durante a cerimônia de abertura das Olimpíadas. Além disso, todos sabemos do controle que a China exerce sobre a imprensa e da pouca liberdade de expressão que oferecem. E também temos consciência do quanto os Jogos Olímpicos poden ser uma plataforma para propaganda política internacional.

2- Durante estas Olimpíadas, boa parte da imprensa dos EUA - ao veicular o quadro de medalhas - mudou os critérios de classificação no ranking. Os países que ganharam mais medalhas no total ficaram na frente dos demais. É o contrário do critério mais aceito internacionalmente, que é o de maior número de medalhas de OURO ganhas. Com isto, pelo menos pra imprensa americana, os EUA é que se saíram melhor nestes Jogos Olímpicos, pois ganharam um número maior de medalhas que a China (que recebeu mais medalhas de ouro).

3- Pra imprensa brasileira, só deu Brasil nestas Olimpíadas. Nossas vitórias foram as mais espetaculares e nossas derrotas as mais trágicas. Alguém sabe me dizer de cabeça (sem consultar nada!) em quais modalidades a China ganhou medalhas de ouro?

Não se iludam. Em diferentes formas, em maior ou menor grau, o Grande Irmão está por toda parte. ___________________________________________________________

Intervalo

2008-08-23T23:20:00.005-03:00

Mais uma vez, peço paciência a vocês leitores. Sei que prometi que ia escrever pra caramba e, comparado com os últimos dois meses, cumpri mesmo essa promessa. Mas já faz alguns dias que não escrevo nada - e a maior vítima de minha inatividade certamente foi o bacana Encarnação do Demônio, que não merecia passar de jeito nenhum em branco. Acontece que no momento estou numa fase de transição, de mudanças pessoais, familiares, sentimentais, psicológicas, profissionais e familiares. Estou deixando pra trás antigos valores e elaborando novos objetivos pra minha vida, tanto a curto quanto longo prazo. E não estou exagerando, ou atirando frases prontas pra justificar uma fase depressiva (na verdade, apesar de triste com algumas coisas, não estou realmente deprimido). É que estava mesmo na hora de limpar a poeira que deixei acumular na minha vida. Escrever sobre cinema e escrever neste blogue ainda são coisas muito importantes pra mim - ainda que nem sempre isso fique evidente - e provavelmente continuarão sendo por um bom tempo. Mas diante de tudo isso que estou passando, escrever parece menor do que viver. Entretanto, não estou desistindo deste blogue ou dando férias a mim mesmo como blogueiro. Pretendo continuar postando sempre que tiver vontade e possibilidade. Apenas peço que vocês perdoem eventuais intervalos longos entre um post e outro. Ah, eu até posso ouvir vocês se perguntando "o que é isso que ele está vivendo?". Alguns dos meus amigos mais próximos sabem partes da história, mas não creio que nenhum saiba de tudo. Quando houver tempo e disposição, talvez eu escreva sobre tudo ou quase tudo aqui no blogue e vocês entenderão. Ou talvez não escreva nada a respeito e deixe vocês a ver navios. ___________________________________________________________

Fantasmas do Século XX

2008-08-23T15:09:00.002-03:00

O que estou escrevendo agora não é uma crítica. Pra começo de conversa, sequer li o livro inteiro. Além disso, faz muito tempo que não escrevo uma crítica literária aqui no blogue e, pelo que me lembro, não sou nada bom nisso. Mesmo assim, fiquem com minha recomendação: Fantasmas do Século XX é bom. Muito bom.

O autor é Joe Hill, filho de Stephen King, e o livro é composto de 17 contos, a maioria dos quais são de terror. A maioria dessas histórias são compostas pelos mais diversos clichês e arquétipos da literatura de horror, mas Hill sempre acha um meio de subvertê-los e contar algo realmente original. A mais subversiva que li por enquanto é a dum rito de iniciação pra tornar-se caçador de vampiros, que joga no lixo as convenções do gênero “jovem entra num ramo violento”. Já outras narrativas são especialmente inusitadas, incluindo uma homenagem divertida A Metamorfose do Kafka; e a triste história dum menino inflável.

Entretanto, o conto que bateu mais forte em mim – pelo menos em termos emocionais – foi Fantasma do Século XX (repare no singular). Conta a história dum velho e a relação que teve a vida toda, desde a infância, com o antigo cinema de rua do qual atualmente é proprietário. Mais importante, narra seu relacionamento – ainda que indireto – com o fantasma que assombra o lugar.

É o espírito duma moça cinéfila que, de tempos em tempos, aparece sentada ao lado de algum espectador incauto e solitário pra conversar sobre o filme que está passando na tela. Existe prova maior de amor pelo cinema do que passar a eternidade assistindo filmes? O desfecho da história – repleta de pequenas surpresas e citações – é lindo e assustador ao mesmo. Leitura obrigatória pra cinéfilos. ___________________________________________________________

Momento Hitchcockiano

2008-08-16T11:44:00.001-03:00

Ontem eu entrei pro seleto clube de cinéfilos que realmente viveram uma autêntica situação hitchcokiana. Quando eu estava voltando pra livraria acompanhado de duas colegas minhas, já no final do meu horário de jantar, fui atingido no lado direito do rosto por um pássaro voando a toda velocidade. Foi como uma pedrada – gritei de dor e segurei o rosto com as mãos (achei que sangrava, mas me enganei). A visão do olho direito ficou embaçada por vários minutos. O monstrinho responsável por meu sofrimento ficou pousado na calçada, me olhando. Minhas colegas, mais preocupadas com o sofrimento dele, tentaram pegá-lo pra ver se estava ferido. O malvado abriu suas asas e, ileso, levantou vôo. ___________________________________________________________

Super-trailer

2008-08-10T23:34:00.005-03:00

Atualmente estou profundamente insatisfeito com os recentes filmes de super-heróis. Tanto como cinema quanto adaptações de personagens que um dia foram muito importantes numa fase especial da minha vida (infância e adolescência). Por isso, fiquei surpreso comigo mesmo ao ficar empolgado no cinema com este trailer de Hellboy 2, dirigido por Guillermo del Toro. Afinal de contas, eu não tinha gostado do anterior (também pelas mãos de del Toro). Mas hoje em dia to com a impressão de que fui injusto e uma revisão desse filme é necessária. Enquanto isso, fiquem com o trailer!

Arquivo X - Eu Quero Acreditar

2008-08-07T11:53:00.003-03:00

(Chris Carter, 2008)

Eu compreendo a decepção, juro. Anos depois da polêmica conclusão de Arquivo X na TV e o melhor que o criador do programa, Chris Carter, conseguiu fazer no cinema foi isto? Uma trama tão banal que – se fosse episódio do programa –a gente esquecia na semana seguinte? Uma trinca de vilões tão enfadonhos que quase não receberam diálogos? Mulder e Scully discutindo a mesma coisa pela milésima vez (mas, por mim, eu ouviria esse papo mais mil vezes)?

Diante dessas perguntas, eu proponho outra. Se o alvo de Eu Quero Acreditar não são as reviravoltas da investigação policial, os bandidos ou o casal principal, então qual é o verdadeiro foco deste filme? É o misterioso – tudo que está invisível aos personagens, mas palpável a eles e a nós nos belos espaços abertos filmados por Carter. É neste lugar abstrato e impenetrável que os personagens acreditam que está suas respostas. Têm fé, enfim. E fé, neste filme, é sinônimo de duas coisas: 1) amor; 2) crença na preservação da vida. O mais incrível é que a fé não é vista como positiva por si só. Ao contrário.

O que leva Mulder a resolver o caso é sua fé nada razoável de que um dia ele salvará sua irmã. Já um padre vidente garante tolamente que as vítimas dos bandidos estão vivas, mesmo diante das inabaláveis evidências contrárias. Enquanto isso, Scully crê que vale a pena preservar a vida dum garotinho doente. O que faz paralelo com os crimes hediondos dos assassinos pois, dum jeito distorcido, também são prova de amor: os homicídios são cometidos por um deles pra prolongar a vida do amante.

Por fim, o próprio Eu Quero Acreditar é uma manifestação de fé de Carter. De que ainda vale a pena preservar Mulder e Scully e contar histórias deles. A julgar pela gag genial sobre George W. Bush, a dupla é mais necessária do que nunca.

A eterna discussão desta dupla imortal:

Encarnação do Crítico

2008-08-05T23:14:00.005-03:00

Querem um exemplo do quanto o ofício da crítica é importante? Mesmo em doses pequenas? Isto aconteceu durante o intervalo do curso de história do cinema do Inácio Araújo. Um grupo de alunos no refeitório viu folhetos anunciando a estréia de Encarnação do Demônio, novo filme com o fantástico Zé do Caixão (José Mojica Marins, claro). Imediatamente ficou claro que ninguém ali - exceto eu - tinha visto filmes dele. As opiniões iam mais ou menos na linha do "não vi e não gostei" e/ou "nunca vi e não tenho interesse". Aí chegou minha vez de opinar.

Mencionei os - poucos - filmes que tinha visto deste criador incrível que é o Mojica. Falei sobre a contradição do Zé do Caixão ser um vilão de filmes de terror que nega o sobrenatural, mesmo sendo perseguido por fenômenos estranhos. Resumindo, não foi uma dissertação estética e dramática das mais elaboradas. Mas vocês deveriam ter visto a cara deles! Dava pra ler seus pensamentos: "Zé do Caixão é mais que um cara de unhas compridas?"

Foi quando o Inácio Araújo entrou pra tomar café e, mais por polidez que interesse, perguntou do que estávamos conversando. Eu respondi simplesmente que estava comentando o Mojica. Inácio rapidamente declarou ser fã do homem e que tinha ficado de joelhos pro Encarnação do Demônio. Meus colegas estavam boquiabertos. Mais telepatia: "Há uma chance deste colega doido ter razão e os filmes do Mojica serem legais?"

Obviamente, o que Inácio e eu fizemos dificilmente se qualifica como crítica de cinema. Pra ser sincero, tenho repulsa do culto que pode surgir (às vezes, sem intenção) à figura dum crítico, qualquer crítico. Algo do tipo "se o Inácio gostou a gente tem que gostar também". Mas plantamos a semente da dúvida no terreno da mesmice e das opiniões mastigadas. Já não é um bom começo? ___________________________________________________________

O Escafandro e a Borboleta

2008-08-01T13:54:00.004-03:00

(Julian Schnabel, 2007)

Revista Paisà atualizada. Muitos textos legais. Marcelo Miranda desmistifica o oba-oba em cima de Wall-E, no que concordo, apesar de gostar mais do filme do que ele. Já o Francis explica porque é difícil escrever sobre um dos filmes mais bonitos da história do cinema: Contos da Lua Vaga, daquele que deve ser o maior cineasta japonês, Kenji Mizoguchi.

E quanto a mim? Na meu retorno pra Paisà depois de meses sem escrever, eu fiz uma crítica sobre O Escafandro e a Borboleta. Uma colega da Livraria gostou muito deste filme. Segundo ela, principalmente pelo diretor, que soube filmar um roteiro tedioso. Foi interessante ouvir a opinião dela porque pude constatar o quanto o diretor Julian Schnabel se destaca mais do que o próprio filme. Respeitosamente discordo dela, porque o roteirista Ronald Harwood e o ator Mathieu Amalric também são responsáveis pelas qualidades do filme. Pra ler minha crítica, onde levo essas questões em consideração, clique aqui.

As mulheres não são complicadas:

JULHO

2008-08-01T13:26:00.008-03:00

Salas de Cinema

Arquivo X - Eu Quero Acreditar (Chris Carter, 2008)
Batman - O Cavaleiro das Trevas (Christopher Nolan, 2008)
Era Uma Vez... (Breno Silveira, 2008)
O Escafandro e a Borboleta (Julian Schnabel, 2007)
Uma Garota Dividida em Dois (Claude Chabrol, 2007)
Hancock (Peter Berg, 2008)

Casa

Crepúsculo dos Deuses (Billy Wilder, 1950)
Ganga Bruta (Humberto Mauro, 1933)
Palavras ao Vento (Douglas Sirk, 1956)

Julho foi o mês do mestre Chabrol. Pena que não deu pra escrever sobre seu belo Uma Garota Dividida em Dois (pelo menos por enquanto). Aliás, este mês que passou não foi o grande retorno deste blogueiro, mas foi um ensaio nessa direção. Fique de olho, porque em Agosto este blogue estará a pleno vapor. ___________________________________________________________

Era Uma Vez...

2008-07-29T14:07:00.002-03:00

(Breno Silveira, 2008)

O primeiro filme de Breno Silveira, 2 Filhos de Francisco, comovia principalmente pelo artesanato eficaz e pela entrega dos atores. Era uma fábula sobre sucesso pontuada por momentos genuinamente emocionantes. Entretanto, a despretensão do relato confundia. Havia uma mensagem sobre o Brasil oculta naquela aparente simplicidade?

Bem, em Era Uma Vez fica clara a vontade de Breno em acrescentar à fábula um discurso sobre o Rio de Janeiro. O diretor divide a cidade em três espaços: 1) o morro e sua violência endêmica; 2) o asfalto e os preconceitos hipócritas das classes abastadas; 3) a praia como elo entre as piores e melhores tendências dessas realidades. As “melhores tendências” são representadas pelo casalzinho coração puro e cérebro de gelatina.

Nenhum deles deixa-se contaminar pela podridão do espaço que nasceram. E cada seqüência de Era Uma Vez apenas sublinha a santidade do casal em contraste com a falência moral do Rio. É um discurso simplista demais pro meu gosto mas eu estava respeitando a sinceridade do Breno. Pelo menos até a conclusão da fábula. É quando coincidências forjadas com mão pesada gritam que estamos todos condenados, evocando o cinema contemporâneo mais nefasto.

Estou falando de Iñárritu, Haggis e Todd Field, diretores que denunciam o mal-estar contemporâneo compactuando com ele. O mais curioso são os créditos finais. O ator Thiago Martins, morador duma favela da Zona Sul do Rio, deixa um recado emocionado sobre seu sucesso como ator. Mas a mensagem que ficou é que a solução do Rio consiste em fazer filmes sobre como o Rio não tem solução. Engraçado isso.

Trailer do filme:

Filipe Furtado explica o último Batman

2008-07-27T23:41:00.003-03:00

Eu pensei muito nisto após assistir o novo Batman:

"Todos os filmes de Bay são gordos, mas algo que diferencia profundamente Transformers e seus trabalhos anteriores da onda idiota de blockbusters de 2h30, já que o filme precisa deste tempo para que seu ataque a sensibilidade do espectador tenha o efeito acumulativo esperado, mais do que nunca neste filme em que a idéia de atacar o espectador parece ser a razão central do filme (poucas vezes se viu um filme de ação cuja sensibilidade estivesse tão próxima do seu vilão)."

Substitua Bay por Nolan e Transformers pelo Cavaleiro das Trevas e você terá uma definição quase perfeita do que é o último Batman. Quase, porque é preciso dar um mínimo de crédito a Nolan como diretor e roteirista ao compará-lo com Michael Bay. Mas não creio que a diferença seja tão grande assim. Devo escrever mais sobre ele em breve, até porque há muita coisa interessante (boa e ruim) sobre o filme a ser considerada. Ainda estou digerindo minhas idéias. ___________________________________________________________

A projeção digital em questão

2008-07-13T18:42:00.003-03:00

A novela da projeção digital no Brasil ganhou um novo capítulo com a estréia do portal MovieMobz, criação de três empresários do setor audiovisual: Marco Aurélio Marcondes, um experiente distribuidor, Fabio Lima e José Eduardo Ferrão, fundadores da Rain Network, a primeira empresa a trazer a tecnologia de projeção digital ao país. O website começou a funcionar este mês no Brasil e há planos para disponibilizá-lo em outros países da América Latina.

O MovieMobz funciona de maneira semelhante ao orkut. Você cadastra seu perfil, cria comunidades, etc. Com um diferencial importante: você seleciona os filmes - de cinema independente, frisaram os criadores - que gostaria de assistir no cinema, estejam eles em cartaz ou ainda inéditos. Assim como a sala de cinema específica na qual você quer ver o filme. Se X pessoas quiserem ver o filme na sala Y, é lá que o filme será exibido (a matemática desse procedimento não foi esclarecida). No endereço eletrônico há uma explicação um pouco mais detalhada, é só clicar aqui.

Enquanto isso, algumas questões permanecem. Como a MovieMobz, define o que é ou não cinema independente? Será que o MovieMobz vai permitir uma variedade maior e mais surpreendente de filmes ou apenas reforçará velhos vícios de nossa programação? Além da qualidade da projeção digital, que anda bem contestada. Como contraponto, selecionei um texto da Folha escrito por Leonardo Cruz (sem autorização, mas não creio que ele se importe), que fala justamente disso. ___________________________________________________________

A projeção digital que estraga o filme

Por Leonardo Cruz

Em cartaz nos cinemas paulistanos desde a última sexta, "O Escafandro e a Borboleta" é, à primeira vista, um programa imperdível. Afinal, o filme francês de Julian Schnabel acumula boas críticas e prêmios ao redor do mundo, incluindo a palma de melhor direção em Cannes no ano passado.

Mas a forma como a obra está sendo exibida no circuito paulistano a transforma em um programa "perdível". "O Escafandro e a Borboleta" pode ser visto apenas em cópias digitais em todas as suas sete salas. Ou seja, nesses cinemas a boa e velha película analógica foi trocada por uma projeção eletrônica de qualidade inferior, que altera som e imagem originais.

O filme de Schnabel não é o único nessa situação _além dele, sete longas são exibidos em SP exclusivamente nesse sistema digital porcaria: "1958 - O Ano em que o Mundo Descobriu o Brasil", "Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto", "A Banda", "Dot.com", "Lady Jane", "A Última Amante" e "Personal Che". Esse número representa 19% dos filmes em cartaz, marca inédita para o circuito paulistano. Isso sem contar obras como "Do Outro Lado", que passam em película em alguns cinemas e em digital em outros.

Nada contra a migração do analógico para o digital, que fique bem claro. A questão é que o digital que se espalha por aqui é muito inferior ao que vem sendo adotado lá fora. Atualmente, apenas seis salas brasileiras seguem o padrão internacional de projeção, o DCI, de qualidade da imagem superior à da película. Em contrapartida, mais de cem salas nacionais instalaram esse digital inferior, desenvolvido e comercializado pela Rain Network.

A questão é econômica: o sistema da Rain é mais barato que o digital DCI e que a película. Resulta em menos custos para o distribuidor e para o exibidor. Só quem perde é o espectador, que continua pagando os mesmos muitos reais para ver uma projeção pouca coisa superior à de um DVD. Para essas sessões, um descontinho no valor do ingresso cairia muito bem.

Esse cenário incomoda ainda mais porque a tecnologia Rain cresce com mais força nas salas dos "filmes de arte". Nesta semana, Espaço Unibanco (Augusta e Pompéia), Cine Bombril, HSBC Belas Artes, Cine UOL Lumière, Frei Caneca Unibanco Arteplex e Reserva Cultural exibem longas no formato capenga. Mantido o ritmo atual de expansão do sistema e o baixo nível do software de exibição da Rain, o futuro não é dos melhores para os cinéfilos paulistanos: grandes filmes "off-Hollywood", como "O Escafandro e a Borboleta", ficarão cada vez mais restritos a essas projeções sofríveis.

Para quem quiser entender um pouco mais essa passagem da película para o digital, vale conferir o especial sobre o assunto escrito por Pedro Butcher para o portal Filme B. ___________________________________________________________

Hancock

2008-07-13T17:15:00.003-03:00

(Peter Berg, 2008)

Quem já trabalhou (como eu) na publicidade sabe que pra vender um produto é preciso um gancho que dê cara de novidade a mais do mesmo. Por exemplo, o gancho de Hancock é seu super-herói alcoólatra e encrenqueiro. Este filme então subverte a imagem do herói responsável e gente boa, tipo Homem-Aranha?

Não, pois esses valores são reafirmados ao longo do filme com a regeneração do herói. E quem o ajuda a tornar-se um super-cidadão responsável – ou mais do mesmo – é, vejam só, um publicitário! Este publicitário de bom coração é quem orienta Hancock a mudar seu jeito pra ser um herói melhor, ou seja, bem-visto pela população.

O mais incrível é que o filme realmente acredita nessas duas coisas: 1) que boas ações não bastam, elas precisam ser feitas dum jeito “aceitável”; 2) basta mudar a aparência duma pessoa pra modificar sua essência. No fim, o herói mostra sua gratidão imprimindo na Lua o logo humanitário do publicitário. A publicidade como bem supremo do mundo, eis a mensagem de Hancock, o filme.

O herói e seus fãs mais jovens:

Coincidência Impossível

2008-07-08T00:08:00.003-03:00

Dedico este texto a uma amiga que trabalha comigo. Alguns dias trás, ela debochou bastante do Missão Impossível. O primeiro mesmo, do Brian De Palma. Desconfiei que no julgamento dela pesavam as continuações, que tornaram-se cada vez mais veículos pro ego do Tom Cruise. Como vi o filme faz tempo, só murmurei um “ele é bom”. Não tinha argumentos pra defender algo legal, mas menor na carreira do De Palma. Dias depois, quando voltei do serviço, a TV exibia Missão Impossível!

Estava num trecho que recordei como sendo um dos melhores: a conversa entre Jim (após ser dado como morto) e Ethan (Cruise). Jim e Ethan discutem quem pode ser o traidor que matou a equipe original no começo do filme. Jim sugere um nome. Ethan imediatamente concorda. Mas as coisas não são o que parecem. Pois enquanto Ethan dá argumentos que solidificam a teoria de Jim, a cena é intercalada por flash-backs que identificam Jim como o assassino!

Vista pela primeira vez, a seqüência confunde. Os flash-backs são pensamentos do Ethan? Jim realmente é o traidor? Ou Ethan, que recusa-se a acreditar que a mulher de Jim também é traidora, só está imaginando tudo? Há uma ruptura entre som (a convicção na voz de Ethan) e imagem duma forma quase experimental que você raramente vê, ainda mais em superproduções. Já De Palma faria algo parecido, porém mais sutil, em Dália Negra.

Seja como for, agora tenho como defender o valor do filme de minha amiga, além duma vontade de revê-lo inteiramente pra saber se ele se mostra melhor do que eu lembrava. Uma coincidência tão boa que parece impossível, né?

OBS: sim, eu tenho consciência do quanto este post é picareta. ___________________________________________________________

JUNHO

2008-07-04T14:58:00.011-03:00

Salas de Cinema

Agente 86 (Peter Segal, 2008)
Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto (Sidney Lumet, 2007)
Cinturão Vermelho (David Mamet, 2008)
Cleópatra (Julio Bressane, 2007)
Fim dos Tempos (M. Night Shyamalan, 2008)
O Incrível Hulk (Louis Leterrier, 2008)
Wall-E (Andrew Stanton, 2008)

Casa

A Besta Humana (Jean Renoir, 1938)
Bom Dia (Yasujiro Ozu, 1959)
Frenesi (Alfred Hitchcock, 1972)

É, eu sei. Por uma (in)feliz coincidência, o filme do mês nas salas de cinema em Junho se chamou Fim dos Tempos. Bem apropriado pra um blogue quase abandonado. Julho será diferente, eu prometo. ___________________________________________________________

04.13 There's No Place Like Home: Parts 2-3

2008-06-25T13:57:00.002-03:00

(Jack Bender, 2008)

Este blogue não foi abandonado! Esta é a primeira de muitas atualizações, prometo. E agora vamos em frente.

SPOILERS: Foi muito, mas muito difícil escrever sobre o final da quarta temporada de LOST. Em parte, por causa da minha crônica falta de tempo. Mas também porque não queria redigir uma resenha de fã. Daquelas repletas de frases como “será que após beijar Kate e pular no mar, Sawyer ficará com Juliet??”. Pois There's No Place Like Home: Parts 2-3 parece ter sido escrito especialmente pros devotos da série. É saturado de cenas que os fãs sonhavam assistir (o mais bacana na foto acima).

Já quem, esperou desse episódio uma bombástica reformulação na narrativa da série deve ter se decepcionado como eu. Nenhum elemento novo foi introduzido, como os flash-fowards – usados de maneira bem conservadora este ano, aliás. Geralmente encaro LOST como um jogo (é uma série obcecada por jogos, afinal) cujo objetivo é aprender as regras. Fiquei desapontado ao descobrir que por enquanto as regras permanecem iguais.

Minha frustração quase me impediu de reparar o quanto este episódio foi construído com mais que cenas de ação exageradas e divertidas. Foi um capítulo feito de separações brutais, coerente com o resto da temporada (lembram da Alex?). Ao que tudo indica, o próximo ano será o dos reencontros. Ou vocês acham que a pessoa do caixão continuará morta? Fase quatro concluída, temos mais duas até o game over.

Jack e Kate outra vez:

MAIO

2008-06-04T14:19:00.013-03:00

Salas de Cinema

Efeito Dominó (Roger Donaldson, 2008)
Homem de Ferro (Jon Favreau, 2008)
Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (Steven Spielberg, 2008)
Longe Dela (Sarah Polley, 2008)
O Sonho de Cassandra (Woody Allen, 2007)
Speed Racer (Andy & Larry Wachowski, 2008)

Casa

E o Sangue Semeou a Terra (Anthony Mann, 1952)
Gun Crazy - Mortalmente Perigosa (Joseph H. Lewis, 1949)
Onde os Fracos Não Têm Vez (Ethan e Joel Coen, 2007)
Ser ou Não Ser (Ernst Lubitsch, 1942)

Pois é, nem eu acredito que Speed Racer foi o melhor filme nas salas de cinema em Maio (se bem que eu perdi uma ou duas estréias importantes). Devagarzinho este blogue está voltano a funcionar. Fique de olho! ___________________________________________________________

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

2008-06-02T14:06:00.001-03:00

(Steven Spielberg, 2008)

A culpa é minha. Não estava preparado pra este novo Indiana Jones. Podem me acusar de nostálgico, de querer um filme “igual aos antigos”. Mas de todas as maneiras que o arqueólogo poderia ter retornado na terceira idade, tio Lucas e tio Spielberg escolheram (pra mim) a menos interessante delas.

O que tornou minha decepção maior foi que o filme assume no começo a interessante opção de admitir a velhice do herói. Ainda na meia hora inicial, numa seqüência imponente, Jones sobrevive a um teste nuclear. Observando a explosão à distância, ele parece pequeno diante dos novos tempos.

Entretanto, a aventura deixa os EUA e prossegue nas selvas da América Latina. Aí herói e filme se mostram desconfortáveis justamente quando deveriam estar em casa. Será que tio Spielberg precisava atualizar Indiana Jones pra era dos blockbusters de ação videogame e humor espertinho como Piratas do Caribe? Confesso, preferia algo mais anacrônico (e transgressor). Então, ok, entendi a piada. Só não achei ela engraçada.

O trailer:

04.12 There's No Place Like Home: Part 1

2008-05-30T15:09:00.000-03:00

(Stephen Williams, 2008)

Esse post está bem atrasado, eu sei, mas não podia ignorar esse episódio. Especialmente agora que o final da temporada (que ainda não vi) já foi exibido.

SPOILERS: Indo direto ao ponto, poucas coisas importantes aconteceram na Ilha durante esta primeira parte de There's No Place Like Home. Inclusive parte delas pareceram reprises de LOST: grupos marchando rumo ao destino, Locke sendo escada de Ben, etc.

Foram nos flash-fowards fora da Ilha que ocorreram os momentos mais importantes do episódio. Vimos o retorno dos Oceanic 6 ao lar, o reencontro deles com a família e o começo de seu desajuste com o mundo normal. Jack, na cena mais forte e angustiante deste capítulo, descobriu que Claire é sua meia-irmã.

O maior mérito da parte 1 de There's No Place Like Home foi usar passagens melancólicas como essa pra aumentar o suspense sobre o que vai acontecer no próximo episódio. Vejam os rostos derrotados de personagens determinados como Jack e Sayid. Pra eles, resgatar os amigos é inconcebível. Houve alguma coisa terrível durante a fuga da Ilha. É hora de saber se valeu a pena acompanhar esta temporada pra descobrir o que foi.

Voando pra casa:

Speed Racer

2008-05-29T22:18:00.002-03:00

(Andy & Larry Wachowski, 2008)

Eu já esperava que os irmãos Wachowski iam preencher o filme Speed Racer com o mesmo discurso anti-autoridade da trilogia Matrix. Imaginava um pouco que, contradizendo esse discurso libertário, os heróis que combatem as “corporações automobilísticas malignas” seriam uma família americana retratada da maneira mais conservadora possível. O que me surpreendeu foi os irmãos usarem os dois principais personagens– Speed Racer e Racer X (também irmãos) – pra falarem de si mesmos como cineastas.

Pois no filme somos informados que os irmãos Racer são mais do que pilotos de carros: são artistas. Essa informação ilumina o cinema que os Wachowski fizeram até agora. Pros irmãos, os efeitos especiais originais e exagerados de seus filmes são mais que acessórios caprichados. São sua arte. O longa Speed Racer é o ápice desse processo, repleto de experiências nas cores e na montagem. Sem medo de ser desagradável, mas com momentos de beleza.

Geralmente desgosto de filmes hiperbólicos assim, mas suspeito que não resisti ao carisma da família Racer, vivida po atores mais talentosos do que o texto pedia. Speed Racer, o filme, pode não ser nenhum Ratatouille (pra mencionarmos outro filme sobre criação artística), mas tem alma.

Os primeiros sete minutos:

O Sumiço de Sherlock Holmes

2008-05-27T00:25:00.000-03:00

O relato abaixo é baseado em fatos reais, de acordo com depoimentos das testemunhas. Diálogos foram dramatizados para seu entretenimento.

Livraria da Vila – andar superior. A vendedora pede ajuda a um colega para encontrar Um Estudo em Vermelho, versão pocket da L& PM. Os dois vendedores cuidadosamente examinam a prateleira da coleção L& PM, investigando livro por livro. “O cadastro deve estar errado”, conclui a vendedora.

“É um erro capital teorizar antes de se ter todas as evidências”, diz o vendedor. “A seção de livros policiais fica no térreo. É perfeitamente possível que nosso livro esteja lá”, acrescenta.

A vendedora discorda. “Os livros da L& PM sempre são enviados pro nosso andar”. Vou telefonar pra outra unidade e pedir um exemplar”. Ela começa a ligação enquanto o vendedor desce as escadas.

O vendedor retorna instantes depois com Um Estudo em Vermelho, versão pocket da L& PM, em suas mãos. A vendedora se espanta. “Estava lá?”

O vendedor confirma. “Elementar minha cara. Quando elimina-se o impossível, o que resta, por mais improvável que pareça, tem de ser a verdade”. ___________________________________________________________

04.11 Cabin Fever

2008-05-16T11:21:00.002-03:00

(Paul Edwards, 2008)

SPOILERS: Poucos episódios nesta temporada foram mais representativos do que está ocorrendo em LOST do que este aqui. O seriado se encontra numa encruzilhada, tentando se livrar de problemas antigos e driblar os novos que surgirem pelo caminho. Ou indo ao que interessa: como, nesta altura do campeonato, fazer um episódio composto dos bons e velhos flash-backs sobre um dos personagens mais queridos da série– John Locke – sem repetir a ladainha de sempre (seus problemas com papai)?

A solução encontrada é simples e eficiente: encaixar novos mistérios no passado de Locke, especificamente sua infância e adolescência. Funciona. Cabin Fever está repleto das cenas misteriosas e sinistras que fazem a alegria de fãs como eu. Pena que esses trechos não tenham uma conexão narrativa maior, só temática. Basicamente são testes de vida, nos quais Locke foi aprovado em alguns (os de sobrevivência) e reprovado em outros (os espírituais).

A inesquecível cena final do episódio – já na Ilha – apenas deixa Locke diante de outra prova, fazer o impossível: mover a Ilha (de lugar? De época? Ambos?). De certa forma, é a própria série quem está diante de um teste: fazer os espectadores se interessarem em saber nas próximas temporadas onde essa Ilha vai parar.

O novo Dalai Lama? – Locke é testado:

O Sonho de Cassandra

2008-05-15T01:29:00.003-03:00

(Woody Allen, 2007)

Entendo porque a “fase européia” de Woody Allen tem sido celebrada como um renascimento para o cineasta. Seus últimos longas apresentam temáticas sombrias (até a comédia Scoop girava em torno de assassinatos) e um rigor nos enquadramentos que ele tinha perdido. Mas, por favor, me deixem de fora dessa festa.

Os filmes em que Allen tenta dizer algo importante e sombrio sobre a existência humana costumam ser os mais irritantes. Os personagens agem de forma mecânica, conduzindo a trama na direção da tese que o cineasta quer provar. Veja O Sonho de Cassandra. Muita coisa no terceiro (e mais fraco) ato do filme depende das atitudes convenientemente inflexíveis do personagem de Colin Farrell.

Nenhuma novidade: o desfecho de Match Point também dependia da inflexibilidade de Scarlett Johansson. Nos dois filmes, aliás, Allen se distancia desses personagens quando eles passam a ser problemáticos. Há outras semelhanças. Em ambos os longas sobram diálogos didáticos sobre os papéis que Deus, a sorte e a arte têm em nossas vidas. Mas em Match Point eles pelo menos ajudavam a construir um sentido. Em O Sonho de Cassandra, Allen nem tem certeza de qual tese está defendendo.

Revista Paisà - novidades no front

2008-05-07T13:56:00.003-03:00

Imperdível. Está no ar a nova edição da Revista Paisà (clique aqui), com um visual reformulado muito mais bonito, além de diversos textos. Pena que devido a bagunça temporária em minha vida eu não pude participar, mas isso deve mudar no futuro. ___________________________________________________________

01.02 Ladies Room

2008-05-05T00:52:00.001-03:00

(Alan Taylor, 2007)

SPOILERS: Como o título sugere, o enredo de Ladies Room foca nas principais personagens femininas de Mad Men (ambas ligadas ao protagonista): a nova secretária de Don, Peggy (Elisabeth Moss); e sua esposa Betty (January Jones, surpreendente).

A trama de Peggy começa promissora. Semanas após dormir com um colega (que se casou e viajou em lua-de-mel), ela ainda está perplexa e revoltada com o fato de que todos os homens do lugar querem dormir com ela. Então ela conhece um funcionário simpático que mostra os diversos departamentos da agência e explica que Peggy pode ser mais que uma secretária. Pena que o desfecho dessa história seja previsível demais: o gentil colega se mostra mais um canalha.

Em compensação, a trama de Betty é mais interessante. Apesar de Don ser infiel, ambos parecem ter um relacionamento estável, carinhoso e bem resolvido sexualmente. Mas as rachaduras aparecem: Betty mal conhece o marido (Don se esquiva de perguntas sobre seu passado, o que sugere que ele tem algo a esconder), está insatisfeita como dona de casa e às vezes perde o controle das próprias mãos. Ela quer ver um psicólogo, mas Don é contra.

Porém, depois que Betty perde o controle do carro por causa de seu misterioso problema nas mãos, seu marido muda de idéia e a encoraja a ir. Ou seja, Don realmente ama e se preocupa com o bem-estar da esposa. Mas também é um homem de sua época: à noite o psicólogo de Betty telefona pra ele relatando tudo que ela disse durante a sessão. Don quer ser a solução dos problemas de Betty, mas não percebe que é parte do problema.

Peggy – inconformada com os homens da agência:

ABRIL

2008-05-03T14:36:00.012-03:00

Salas de Cinema

Apenas uma Vez (John Carney, 2006)
Um Beijo Roubado (Wong Kar Wai, 2007)
Falsa Loura (Carlos Reichenbach, 2008)
Rolling Stones – Shine a Light (Martin Scorsese, 2008)
Três Vezes Amor (Adam Brooks, 2008)

Mostras

Cartas de Iwo Jima (Clint Eastwood, 2006)
Medos Privados em Lugares Públicos (Alain Resnais, 2006)
Zodíaco (David Fincher, 2007)

Casa

Fúria Sanguinária (Raoul Walsh, 1949)
Ratatouille (Brad Bird, 2007)
No Tempo das Diligências (John Ford, 1939)

Como é bom dizer que um filme brasileiro foi o melhor visto no mês passado! Pena que por enquanto não pude escrever nada a respeito dele. Aliás, quem visitou meu blogue esta semana deve ter achado que desisti de escrever sobre filmes pra falar só de seriados. É por causa de meu novo emprego, que bagunçou um pouco meus horários, mas em breve devo voltar a rascunhar sobre cinema. ___________________________________________________________

04.03 The Ties That Bind

2008-05-03T10:38:00.003-03:00

(Michael Taylor, 2008)

SPOILERS: É muito difícil dizer qual é a “mensagem” principal de Battlestar Galactica. Por exemplo, há momentos em que a série parece condenar as atitudes autoritárias que a Presidente Laura Roslin costuma tomar e há momentos em que liberdades civis parecem estupidez num período em que a humanidade corre risco de extinção. Acrescente o fato de que todos os personagens são capazes tanto de ações edificantes quanto repulsivas e temos um programa em que a linha entre bons e maus às vezes é invisível.

Vejamos os quatro cylons récem-revelados – Coronel Tigh, Tyrol, Tory e Sam Anders. Eles são pessoas íntegras, que precisam esconder sua natureza cylon das outras pessoas sob risco de serem injustamente perseguidos pelos humanos, certo? O episódio The Ties That Bind mostra que isso não é 100% verdade. Quando Cally – esposa de Tyrol – descobre que seu marido é cylon, ela enlouquece (já estava sofrendo de depressão) e decide pular no vácuo espacial com seu bebê.

Tory chega a tempo de convença-la a desistir do suicídio. Mas assim que Cally entrega seu filho pra nova “amiga”, Tory retribui assassinando Cally assim mesmo – pra não correr o risco dela revelar o segredo do quarteto. Juntando esse episódio com o de LOST, foi a semana dos assassinatos cruéis de personagens secundários.

Então Tory é “má”? Sua atitude não só vai criar um racha no grupo quando for descoberta, como – dos quatro – ela é quem mais tem gostado de ser cylon. Mas eu tenho certeza que em algum episódio posterior essa dedução também será posta em cheque. E assim será com todos os personagens, até o final desta última temporada, quando poderemos dizer quem era bom e quem era mau – talvez.

Reunião Cylon – traição à vista:

01.01 Smoke Gets in Your Eyes

2008-04-30T13:52:00.003-03:00

(Alan Taylor, 2007)

Mad Men é uma história de sucesso. Seu criador, Matthew Weiner, escreveu em 1999 o roteiro do primeiro episódio, Smoke Gets in Your Eyes. David Chase (criador de Família Soprano) leu e ficou tão impressionado que o contratou. Como roteirista, Weiner trabalhou em episódios excelentes como Kennedy and Heidi, talvez o melhor da última temporada. Após o final de Família Soprano, Weiner tornou Mad Men realidade no canal AMC. Aqui no Brasil, o programa está sendo exibido semanalmente pela HBO.

SPOILERS: Quando o episódio começa, vemos a nuca de um homem. Quem é ele? Nós descobrimos que seu nome é Don Draper (Jon Hamm, magnífico), um bem-sucedido publicitário trabalhando em Nova York no ano de 1960 – quando todo mundo fumava e bebia muito. A pergunta, entretanto, persiste: quem é Don Draper?

Bom, Don é herói de guerra, parece um galãs dos anos 50, namora uma beatnik (apesar dele ter valores conservadores) e defende sua nova secretária dum colega grosseiro – a expressão “assédio sexual” ainda não existia. Ele até se esquiva dum flerte da novata agradecida. Contudo, nada disso responde a questão do parágrafo anterior. Afinal, deveria ser ótimo ser Don, mas seus olhos traem uma certa vulnerabilidade interior. A resposta talvez apareça no fim do dia, quando descobrimos que Don é casado e pai de duas crianças.

O episódio termina com ele observando os filhos na companhia da esposa, numa imagem que sugere o quanto seu lar é um refúgio contra as pressões do serviço e dum futuro incerto. Pois em alguns anos tudo que Don conhece vai mudar – o papel das mulheres no mercado de trabalho, a imagem dos cigarros e bebidas e mais uma porção de coisas que fazem parte do seu modo de vida. Talvez seja ótimo ser Don, mas não deve ser fácil.

Peggy, a secretária nova:

04.09 The Shape of Things to Come

2008-04-28T12:58:00.003-03:00

(Jack Bender, 2008)

SPOILERS: Foi muito bom ver em The Shape of Things to Come o quanto Sawyer mudou no decorrer da série. Ele já tinha brincado de herói no passado, mas nunca tinha mostrado em tempo integral tanta preocupação pelos amigos.

Dito isso, o momento mais forte do episódio envolveu outros personagens. Estou falando da execução de Alex na frente de seu pai, Benjamim Linus. Sem dúvida, foi a cena mais deprimente desta quarta temporada e, ainda assim, estranhamente gratificante, já que pela primeira vez as habilidades de persuasão do Ben falharam. No passado, o ex-antagonista (hoje cada vez mais perto de ser o personagem principal) escapou de todas as situações difíceis mentindo, manipulando e blefando. Ao falhar numa hora crucial, ele perde a invencibilidade que estava me cansando.

Por exemplo, neste mesmo episódio foi irritante assistir Ben levar Sayid e Locke na conversa outra vez com meia dúzia de afirmações sem provas. Ainda bem que Charles Widmore deverá ganhar mais importância na trama daqui pra frente. LOST precisava de outro personagem traiçoeiro, já que Ben estava sobrecarregado (não bastava ele ser expert em jogos mentais, dono da Ilha, agente secreto e viajar no tempo e espaço – ele precisava ter uma atração fatal pela Juliet). A presença de outro malfeitor só deve beneficiar a série e o próprio Ben. Pior pros outros personagens!

Ben e o Lostzilla:

04.01 He That Believeth in Me

2008-04-25T14:23:00.001-03:00

(Michael Rymer, 2008)

Estou começando uma experiência com este post: vou escrever críticas de (não todos, só os mais importantes) episódios dos seriados de TV que assisto, ao invés de criticar temporadas completas.

SPOILERS: Onde estávamos quando a terceira temporada de Battlestar Galactica terminou? Bem, assim que Gaius Baltar foi inocentado de trair a humanidade, a frota dos menos de 40 mil sobreviventes da espécie humana foi encurralada por uma frota Cylon muito mais numerosa. Ao mesmo tempo, quatro de nossos heróis (Coronel Tigh, Tyrol, Tory e Sam Anders) descobriram horrorizados que não são humanos, mas Cylons disfarçados. Com a humanidade à beira da extinção, uma ressuscitada Starbuck surgiu em sua nave anunciando que descobriu o caminho pra Terra.

No começo deste primeiro episódio da quarta temporada – He That Believeth in Me – tudo é resolvido de maneira relativamente rápida, mas eletrizante. Enquanto humanos e Cylons travam uma violenta batalha espacial, um hesitante Sam Anders se junta aos pilotos humanos e tem sua verdadeira natureza descoberta pelos inimigos num exame de retina – feito no meio do combate! A frota Cylon misteriosamente se retira, deixando pessoas como a Presidente Laura Roslin e o Almirante Adama desconfiados do milagroso retorno de Starbuck (ela tinha sido desintegrada no espaço meses atrás).

E quem pode culpá-los? Apesar de ser uma série de ficção científica – com alusões bem atuais à política americana – Battlestar Galactica sempre flertou com o misticismo. A própria Roslin é uma figura messiânica, guiando a humanidade em direção a Terra com suas visões. Mas Starbuck, apesar de acreditar que a frota está na direção errada, não tem como provar onde esteve ou como chegar lá, exceto através duma forte e estranha intuição. Pior, sua história sobre o que ocorreu após sua suposta morte é tão cheia de furos que deixa até o espectador mais crente pensando que é tudo um truque Cylon.

Em compensação, surge outro candidato a messias: Baltar, que passa a morar com um grupo de mulheres que o cultuam como um profeta, algo que ele próprio renega. No começo, o culto parece ser apenas uma oportunidade pra Baltar se proteger e transar, mas ao conhecer o filho doente duma das devotas ele oferece com sinceridade sua vida pela do menino numa oração. Pouco tempo depois, Baltar sofre um atentado e escapa duma maneira que deixa até o espectador mais cético acreditando em milagres.

Portanto, ao trazer o misticismo pro primeiro plano da trama, He That Believeth in Me lembra os fãs que além de guerra, política e naves espaciais, Battlestar Galactica também é um seriado sobre fé e religião. Em quem você acredita que o levará ao “caminho certo” (literal e metaforicamente falando) deve ser o grande dilema daqui pra frente.

Vinheta introdutória - 11 dos 12 modelos Cylon:

O retorno de Starbuck:

Meu primeiro dia no emprego novo

2008-04-24T00:15:00.002-03:00

Cena 1:

Cliente novo entra na livraria, vê alguns livros e se aproxima do vendedor mais próximo. “Onde é o toalete?”

O vendedor (em pânico), olha ao redor procurando uma placa ou um vendedor mais experiente. “Eu... não sei!”

O cliente se afasta. “Eu procuro sozinho.”

Cena 2:

Casal jovem entra na loja, observa algumas prateleiras e se aproxima do vendedor mais próximo. “Onde estão os livros da Agatha Christie?”, pergunta o marido.

O vendedor (triunfante), aponta a prateleira exatamente em frente ao homem. “Aqui!”

“E onde estão os livros do Sidney Sheldon?”, pergunta a esposa.

O vendedor (preocupado), sinaliza para que a cliente o acompanhe. “Deve estar na letra S... a letra P é aqui, a R aqui, então a S... deveria estar aqui! Mas não está. Por favor, deixe eu consultar um vendedor mais experiente.”

A mulher (observadora) se agacha, olha a prateleira mais baixa – onde a letra S sempre esteve – e sorri. “Estão aqui. Muito obrigada!” ___________________________________________________________

Rolling Stones - Shine a Light

2008-04-23T13:48:00.003-03:00

(Martin Scorsese, 2008)

Às vezes, um argumento simplista é repetido exaustivamente até se tornar a única maneira de entender um filme. Por exemplo, eu tinha lido por aí que Shine a Light parece extra de DVD. Recentemente, uma colega do curso de cinema do Inácio Araújo disse que não ia ver o documentário pelo mesmo motivo. É uma coisa contagiosa.

E perigosa, porque esse argumento ataca o longa por suas características mais evidentes: de fato, Shine a Light é composto quase exclusivamente pelas filmagens de duas noites de show no Beacon Theatre (NY), intercaladas por pouquíssimas cenas de bastidores e entrevistas antigas da banda. Mas essa argumentação ignora as intenções por trás disso.

Martin Scorsese na verdade fez um belo trabalho sobre como é contrariar expectativas do showbiz ao continuar ativo após décadas (um sentimento que Scorsese certamente compreende). A simples presença da família Clinton no show marca o quanto os Stones são hoje, para o bem e para o mal, um monumento aceito por um público mais amplo e careta. Entretanto, o que realmente interessa ao cineasta é nos fazer sentir durante um show toda a energia que impulsionou e ainda impulsiona os Rolling Stones.

Pra conseguir isso, Scorsese espalhou muitas e muitas câmeras pelo Beacon Theatre com duas metas em mente: 1) ignorar quase totalmente as reações do público (o que talvez explique uma certa frieza do filme); 2) conseguir imagens inacreditáveis dos Rolling Stones. Inacreditáveis, seja pela extensão com que um plano permanece em um único integrante da banda pra melhor admirarmos sua performance, seja pelos close-ups de rostos cansados, sorrisos inesperados e, no fim, as caras de satisfação deles por terem se superado outra vez. Isso sim é contagiante.

A Família Savage

2008-04-18T23:37:00.003-03:00

(Tamara Jenkins, 2007)

Revista Paisà atualizada. Como sempre, muitas críticas bacanas. A minha é sobre A Família Savage. Tem um momento curioso nesse filme. É quando a personagem da Laura Linney, que é dramaturga, pergunta pra alguém que leu o novo texto da nova peça dela se não achou que apenas "gente de classe média reclamando da vida" (ou algo assim). Ou seja, Tamara Jenkins defende que um cinema de dramas comuns de gente comum ainda é relevante. Pena que isso não dá muito certo no filme dela. Pra ler minha crítica, clique aqui.

MARÇO

2008-04-10T17:15:00.008-03:00

Salas de Cinema

As Crônicas de Spiderwick (Marc Waters, 2008)
A Família Savage (Tamara Jenkins, 2007)
Jogos do Poder (Mike Nichols, 2007)
Na Natureza Selvagem (Sean Penn, 2007)
Não Estou Lá (Todd Haynes, 2007)
O Orfanato (Juan Antonio Bayona, 2007)
Ponto de Vista (Pete Travis, 2008)

Casa

Conduta de Risco (Tony Gilroy, 2007)
O Encouraçado Potemkin (Sergei Eisenstein, 1925)
A Espiã (Paul Verhoeven, 2006)
O Gabinete do Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920)
A Idade do Ouro (Luis Buñuel, 1930)
A Marcha Nupcial (Erich Von Stroheim, 1928)
M – O Vampiro de Dusseldorf (Fritz Lang, 1931)

Mês de mais problemas pessoais que se refletiram nos poucos filmes vistos e no blogue meio abandonado. O importante é que acabou. Bola pra frente! ___________________________________________________________

The Office (US) – 1º ano

2008-03-28T12:10:00.001-03:00

(Greg Daniels, 2005)

Em princípio, o que prende minha atenção numa série de TV? Vejamos a sitcom The Office, um remake duma ótima mini-série inglesa de mesmo nome. Assim como sua matriz britânica, os episódios são falsos documentários (incluindo entrevistas) acompanhando o dia-a-dia dum escritório. A primeira temporada da versão americana – com apenas seis episódios – não é lá essas coisas. Porém, uma coisa me encorajou a continuar assistindo: os personagens. Com um quarteto de protagonistas tão bacana, é difícil abandonar o programa.

São eles: o chefe inconveniente e imaturo Michael (Steve Carell); o nerd puxa-saco Dwight (Rainn Wilson); e seu rival Jim (John Krasinski), platonicamente apaixonado pela recepcionista Pam (Jenna Fischer). Muito do humor da série nasce das situações constrangedoras que Michael cria no escritório ou das pegadinhas que Jim e Pam aprontam com Dwight. Os quatro são bons o bastante pra garantir muitas risadas neste primeiro ano, cujos roteiros estão sem foco, ainda construindo uma identidade pro seriado.

Entretanto, diferente da maioria das sitcoms, os dilemas pessoais dos personagens são levados muito a sério. Muitas vezes é fácil esquecer que estamos vendo uma comédia (nem há gravações de risadas acompanhando as piadas). Nesses seis episódios iniciais aprendemos pouco sobre eles, mas o suficiente pra desejarmos saber muito mais. É exatamente isso que ocorre no segundo ano, que dá um salto de qualidade fantástico. E, aí sim, é impossível desistir da série.

O Orfanato

2008-03-24T16:10:00.001-03:00

(Juan Antonio Bayona, 2007

Fazer cinema de gênero tem suas armadilhas, já que alguns gêneros estão saturados de imagens, personagens, situações e idéias recorrentes. Geralmente, se um filme não trouxer nada de novo pro seu gênero (ou conter personagens realmente memoráveis), ele perde o impacto com o tempo. Por exemplo, O Orfanato tem muitos sustos eficientes – mais devido ao trabalho de som do que das imagens – e um mistério que prende nossa atenção até o final: o sumiço do filho do casal, justamente o único personagem interessante do filme (o pai então, é um verdadeiro fantasma). Porém, O Orfanato anda no piloto automático – o vento deslocando objetos como forma de sugerir fantasmas? – e a conclusão, parecida em alguns aspectos com a de Os Outros do Alejandro Amenábar, decepciona um pouco. Enquanto Amenábar preferia o estranhamento, Bayona opta pela pieguice excessiva. Resumindo O Orfanato: “divertido enquanto dura”.

Ponto de Vista

2008-03-20T16:34:00.002-03:00

(Pete Travis, 2008)

No começo do filme, o Presidente dos EUA vai fazer uma aparição pública na Espanha. Boa parte da multidão presente no local está lá pra protestar. Uma repórter cobrindo o evento ao vivo tenta inserir comentários críticos sobre o que está acontecendo. Sua produtora a manda calar a boca. Basicamente, a mesma coisa acontece com o filme em si – o filme até dá sinais que vai montar um discurso político crítico em alguns momentos (o plano final, por exemplo), mas não passa disso. É quase o mesmo problema de Jogos de Poder: são filmes tão esteticamente conservadores que não conseguem articular suas intenções deflagradoras.

Sendo que Ponto de Vista ainda tem o agravante de não ter o menor senso do ridículo, tornando-se uma autêntica comédia involuntária. Duas coisas são especialmente hilárias: 1) tudo que envolve o personagem do Forest Whitaker (que só existe pra mostrar que até um cidadão comum americano pode ser um herói); 2) o clímax do filme, uma sucessão de caretas e acidentes automobilísticos em slow-motion como eu não via desde Crash do Paul Haggis. Bom, melhor rir do que chorar.

Persépolis

2008-03-15T00:05:00.003-03:00

(Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud, 2007)

Bem, como vocês já devem estar sabendo, foi atualizada a Revista Paisà. Além de Ao Lado da Pianista, também há um texto meu sobre Persépolis. Pra ler minha crítica, clique aqui.

Ao Lado da Pianista

2008-03-14T23:46:00.002-03:00

(Denis Dercourt, 2006)

Revista Paisà finalmente atualizada! Muitas críticas de filmes importantes. Infelizmente Ao Lado da Pianista não foi um deles. Pra ler minha crítica, clique aqui.

Curso "Uma introdução à linguagem cinematográfica"

2008-03-14T23:05:00.003-03:00

Mais uma ótima iniciativa do Cineclube Equipe!

O Cineclube Equipe convida a todos para o curso Uma introdução à linguagem cinematográfica, que terá início na segunda-feira dia 17 de março de 2008. O curso será ministrado pelo professor Paulo Yasha, ex-aluno do Colégio Equipe formado em Cinema pela FAAP e Filosofia pela USP, realizador de vídeos institucionais e pessoais e arte-educador em exposições e museus.

As aulas serão às segundas feiras, das 19h às 21h, no Colégio Equipe (R. Bento Frias, 223 - Pinheiros - tel: [11] 3814-2188), até 30 de junho e contarão com uma metodologia inovadora: aulas expositivas, exibição e análise de filmes, debates e atividades em grupo com a utilização de músicas, histórias em quadrinhos, fotografias etc. O curso está dividido em quatro módulos (Formação do olhar crítico - A linguagem cinematográfica; O Cinema Clássico - De Griffith a Hitchcock; O Cinema Moderno - Das vanguardas aos cinemas novos; Cinema e Contemporaneidade) e se destina a jovens a partir dos 14 anos. A mensalidade é de R$50,00 e a taxa de matrícula (referente ao preço de custo da apostila de textos) é de R$10,00.

A primeira aula, no dia 17 de março, tem caráter experimental: o aluno pode assisti-la gratuitamente sem o compromisso de permanecer durante todo o curso.

Para demonstrar interesse ou tirar dúvidas, enviar e-mail para cineclube@colegioequipe.g12.br com nome e idade.

Mais informações e programação completa do curso em http://www.cineclubeequipe.blogger.com.br/

Núcleo de Cultura do Instituto Equipe Cultura e Cidadania
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FEVEREIRO

2008-03-14T16:34:00.013-03:00

Salas de Cinema

Ao Lado da Pianista (Denis Dercourt, 2006)
Os Indomáveis (James Mangold, 2007)
Juno (Jason Reitman, 2007)
Onde os Fracos Não Têm Vez (Ethan e Joel Coen, 2007)
Persépolis (Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud, 2007)
Sangue Negro (Paul Thomas Anderson, 2007)
Senhores do Crime (David Cronenberg, 2007)
Sweeney Todd - O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet (Tim Burton, 2007)

Casa

Os Duelistas (Ridley Scott, 1977)
Gosto de Sangue - versão do diretor (Joel Coen, 1984)
As Grandes Aventuras de Pee-wee (Tim Burton, 1985)
Konkurs (Milos Forman, 1963)
Mala Noche (Gus Van Sant, 1985)
Los Motivos de Berta (José Luis Guerín, 1983)
Soldado de Laranja (Paul Verhoeven, 1977)
Superstar - The Karen Carpenter Story (Todd Haynes, 1987)
Tudo o Que o Céu Permite (Douglas Sirk, 1955)
Woyzeck (Werner Herzog, 1979)

Estou de volta! Pois é, demorei muito pra atualizar este blogue devido a problemas pessoais, mas agora tudo deve entrar nos eixos novamente. Aguardem mais posts! ___________________________________________________________

Oscar 2008

2008-02-25T15:22:00.005-03:00

Para saber quem foram os vencedores, clique aqui.

Ao contrário do ano passado, decidi assistir o Oscar em 2008. Afinal, não é todo ano que meu filme preferido entre os indicados é: a) favorito pra ganhar o prêmio principal; b) a obra-prima de cineastas que normalmente não curto. Posso estar enganado, mas acho que este Oscar foi relativamente mais curto e sóbrio em relação aos anteriores. Vamos aos destaques:

Rubens Ewald Filho – com a tecla SAP ele é o melhor comentarista de Oscar do mundo.

Jon Stewart – menos inspirado que dois anos atrás, provavelmente reflexo da greve dos roteiristas. Mesmo assim, ele ainda é o melhor apresentador desde... sempre? Deu um puxão de orelha na hipocrisia da Vanity Fair, brincou com a Hillary e ainda chamou a moça da canção de Once de volta ao palco pra fazer o seu discurso. Stewart pro ano que vem!

Daniel Day-Lewis – a cara de conformados dos concorrentes antes mesmo do vencedor ser anunciado.

Cate Blanchett – a cara dela ao ver o clipe que escolheram pra sua atuação em Elizabeth. Sim, atores têm consciência da porcaria que fazem.

irmãos Coen – descansando no sofá no clipe de Roteiro Adaptado.

Diablo Cody – uma stripper envergonhada. Quando você acha que já viu tudo...

Persépolis

2008-02-24T18:21:00.001-03:00

(Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud, 2007)

Assim que cheguei em casa, fui no computador pesquisar sobre a Revolução Iraniana. Queria escrever um texto esfregando minha falsa superioridade intelectual nos leitores. Desisti quando vi o tamanho da página do Wikipedia (em inglês) sobre o assunto. Países do Oriente Médio são complicados e Persépolis, pro bem ou pro mal, torna um longo e conturbado período histórico do Irã em algo de fácil digestão.

Isso é mais evidente na primeira parte do filme, quando as transformações políticas do Irã são vistas pelo olhar infantil da protagonista. Não gosto de simplificações, mas foi difícil resistir ao charme da menina metaleira, marxista e fã do Bruce Lee. Contudo, Persépolis cresce como cinema conforme nossa heróina amadurece. A rebeldia dela se torna indisfarçável e para protegê-la, seus pais a enviam para a Áustria. Com o passar do tempo, ela descobre que a vida lá não é nenhuma maravilha, mas que o Irã também não é seu lugar. Onde quer que ela vá, sempre será uma estrangeira.

A melancolia dessa personagem sem lenço e documento rende momentos bonitos que tornam Persépolis obrigatório e insinuam uma mensagem política mais forte que a simples denúncia do autoritarismo: a de que o divórcio entre a cultura Ocidental e Islâmica não vai ter uma reconciliação tão cedo. Mundo complicado, o nosso.

U.FRAME - Festival Internacional de Vídeo Universitário

2008-02-21T16:22:00.004-03:00

O U.Frame é o primeiro Festival Internacional de Vídeo organizado pela Universidade do Porto (Portugal), em parceria com a UDC (Universidade da Coruña - Espanha). Pré-inscrições até 1 de Abril e envio de trabalhos até 15 de Abril. O evento decorre de 1 a 5 de Outubro nas instalações do Curso de Ciências da Comunicação da Universidade do Porto e na Biblioteca Almeida Garrett.

Para saber mais, clique aqui. ___________________________________________________________

A Gravata

2008-02-17T18:03:00.002-03:00

Parte 1:

Parte 2:

Parte 3:

(Alejandro Jodorowsky, 1957)

Que alívio finalmente acrescentar algo interessante à seção de Curtas deste blog! A Gravata é o primeiro trabalho atrás da câmera do bruxo Alejandro Jodorowsky. Uma estréia até mais interessante como cinema que seu primeiro longa-metragem, Fando e Lis (de 68!). Pena que não achei o curta na íntegra em um único vídeo, mas ele está completo nessas três partes. Basicamente, é um show de mímica divertido - e eu odeio mímicos.

O uso das cores e da música merece destaque, mas o mais notável é como o curta já trabalhava questões que interessavam ao cineasta: já estava presente a idéia da jornada em busca de valores falsos (aqui; Gula, Luxúria, Vaidade) que se transforma numa busca por valores mais importantes aos olhos de Jodorowsky (aqui; amor platônico e satisfação pessoal). Nada que ele não tenha desenvolvido melhor em alguns de seus filmes posteriores, mas digno de nota.

OBS: o próprio Jodorowsky atua no papel principal. ___________________________________________________________

Sweeney Todd

2008-02-14T18:44:00.002-02:00

(Tim Burton, 2007)

Eu vi este filme já faz quase uma semana e não sei o que dizer sobre ele. Ainda devo estar em choque. Ou então é porque não entendo nada de Tim Burton. Deve ser isso, porque li comentários de que isto aqui era um “Burton previsível” e coisas assim. Pelo visto, entre os cinéfilos virtuais, há muita gente que compreende o cineasta bem mais do que eu. Palmas pra eles. Pois, quando fui no cinema, estava preparado para um musical violento e divertido, algo como Fábrica de Chocolate com Cavaleiro sem Cabeça. Mas não pra Sweeney Todd.

Pra começar, de divertido o longa não tem quase nada. É o mais fúnebre e apocalíptico de sua obra – mais até que Planeta dos Macacos. Num certo momento, o anti-herói diz que a humanidade inteira deve morrer (incluindo ele mesmo), enquanto o vilão afirma que todo homem merece a forca. Pela humanidade que vemos na tela, fica difícil discordar deles. Todos são sórdidos e, ao contrário de outros Burton, não há possibilidade dos freaks conquistarem seu espaço, já que todo mundo tenta passar a perna em todo mundo.

Talvez isso explique as atuações geladas (embora Johnny Depp esteja sensacional): na verdade estão todos mortos, condenados que ainda não compareceram à forca. O amor existe, mas é uma ilusão cruel da Lovett (Helena Bonham Carter) e fonte de mais ódio e ressentimento. De fato meus amigos, por um Tim Burton assim eu não esperava. Por isso não encarem as três estrelas como uma sentença. Está mais para um lembrete a mim mesmo de rever o filme despido da minha estranheza inicial. E aí, quem sabe?

Cineclube Equipe

2008-02-14T17:23:00.003-02:00

Meus amigos Nina e Kim mandaram este e-mail pra avisar que neste fim de semana o Cineclube Equipe volta a funcionar. E eles já tem boa parte da programação deste ano planejada, com filmes e debatedores muito interessantes.

O Cineclube Equipe, projeto sem fins lucrativos do Instituto Equipe Cultura e Cidadania, inicia suas atividades de 2008 neste sábado 16 de fevereiro com a primeira sessão do Panorama Experiências do Cinema. O ciclo, que durará um semestre de sessões mensais, se propõe a estudar os cinemas experimentais. O tema da sessão de 16 de fevereiro é o cinema de vanguarda dos anos 1920: serão exibidos, a partir das 16h, curtas de Marcel Duchamp, Man Ray, René Clair, Luis Buñuel, entre outros e, às 18h, haverá debate com o professor da FAAP João Guedes. Serão disponibilizados livros para consulta e murais informativos sobre o tema, além de venda de apostilas com textos de apoio ao panorama e sorteio de livro. A sessão custa R$4,00 e acontece no auditório do Colégio Equipe (R. Bento Frias, 223 - Pinheiros, São Paulo/ tel. 3814-2188).

O debatedor
João Guedes é professor da FACOM/FAAP, doutor em Teoria Literária pela USP e pós-doutor em Teoria da Literatura pela UNESP.

Panorama Experiências do Cinema
As outras sessões serão: em março, o cinema de Andy Warhol; em abril, cinema de invenção brasileiro dos anos 1970; em maio, o cinema de Jerry Lewis; e em junho, cinema experimental contemporâneo: Apichatpong Weerasethakul. Os debates contarão com nomes como Rubens Machado Jr., Felipe Bragança, Ruy Gardnier, Arthur Autran e Francis Vogner dos Reis.

Para mais informações e programação completa da sessão e do panorama, visite: http://www.cineclubeequipe.blogger.com.br/

Núcleo de Cultura do Instituto Equipe Cultura e Cidadania ___________________________________________________________

Juno

2008-02-07T22:21:00.000-02:00

(Jason Reitman, 2007)

Talvez porque eu tenha mais memórias ruins da minha adolescência que lembranças felizes, não consigo amar filmes que orgulhosamente dizem “viu como somos autênticos?” ao retratar adolescentes como criaturas sabichonas, cheias de referências culturais e respostas espertinhas pra todos os problemas. Ainda mais se o filme em questão assume sem restrições o ponto de vista cínico e distanciado desses monstrinhos.

Uma vez que a descrição acima bate com boa parte do começo de Juno, vocês podem imaginar o meu misto de irritação e indiferença durante minha sessão. Ok, dei algumas – só algumas – risadas também. Aí o roteiro da Diablo Cody vai introduzindo e aprofundando os personagens adultos – mais interessantes que os adolescentes – e o filme vai crescendo conforme a Juno do título vai descendo do Olimpo. Pena que o elenco maduro tenha pouco tempo neste longa, mas dá pro gasto.

No fim das contas, Juno é menos sobre gravidez na adolescência que sobre amadurecer. Diablo simplifica essa questão (crescer é arrumar um grande amor, parece dizer) e Reitman ainda não inspira confiança como diretor. Comparem a cena de parto deste filme, tratada por ele como se fosse um plot point pra chegar no epílogo, com a de Ligeiramente Grávidos pra sentir a diferença. Mas e daí? No fim, o sorriso é inevitável. Como a adolescência.

JANEIRO

2008-02-03T22:11:00.000-02:00

Salas de Cinema

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (Cristian Mungiu, 2007)
Desejo e Reparação (Joe Wright, 2007)
A Espiã (Paul Verhoeven, 2006)
Eu Sou a Lenda (Francis Lawrence, 2007)
O Gângster (Ridley Scott, 2007)
Garoto Cósmico (Alê Abreu, 2008)
A Lenda do Tesouro Perdido - O Livro dos Segredos (Jon Turteltaub, 2007)
Meu Nome Não é Johnny (Mauro Lima, 2008)
Paranoid Park (Gus Van Saint, 2007)

Casa

Os Amores de uma Loira (Milos Forman, 1965)
O Ano do Dragão (Michael Cimino, 1985)
Doze Homens e uma Sentença (Sidney Lumet, 1957)
Eraserhead (David Lynch, 1977)
Fando y Lis (Alejandro Jodorowsky, 1967)
Longe do Paraíso (Todd Haynes, 2002)
Louca Paixão (Paul Verhoeven, 1973)
Nosferatu - O Vampiro da Noite (Werner Herzog, 1979)
O Olhar da Inocência (Jean Becker, 1999)
On the Occasion of Remembering the Turning Gate (Hong Sang-soo, 2002)
Pacto de Sangue (Billy Wilder, 1944)
Stroszeck (Werner Herzog, 1977)
Tout contre Léo (Christophe Honoré, 2002)
O Vigia (Scott Frank, 2007)

Em janeiro eu vi menos filmes do que no mês anterior. Tive uns problemas no meu PC que atrapalharam meus downloads. Com isso, algumas retrospectivas de cineastas que estou fazendo ficaram prejudicadas. Mesmo assim, foi um mês em que assisti mais filmes do que de costume. Espero que esse ritmo seja a norma em 2008. ___________________________________________________________

O Vigia

2008-02-02T18:52:00.000-02:00

(Scott Frank, 2007)

Eu aluguei esse filme porque tinha lido coisas bem positivas sobre ele quando foi lançado nos EUA. É a estréia na direção do roteirista Scott Frank (Minority Report) e foi uma pequena decepção. Curiosamente, achei o longa parecido com a estréia de outro roteirista na direção, Conduta de Risco de Tony Gilroy. Ambos são de gêneros usados e abusados, os quais nem tentam inovar: “advogado enfrenta conspiração” (Gilroy) e “otário aceita participar dum assalto” (Frank). Mas o que os dois têm de mais interessante é o retrato amargurado de seus protagonistas, um advogado cansado da profissão e, neste O Vigia, um jovem sem perspectivas após sofrer lesões cerebrais.

Entretanto, por mais lugar-comum que Conduta de Risco aparente ser, você vê que Gilroy acredita em tudo que filmou. Até a mais manjada cena de conversa gravada foi encenada com seriedade e empenho. O que choca em O Vigia é justamente o descaso com que filma todas as cenas e reviravoltas (previsíveis de dar dó, o que torna tudo pior) obrigatórias num filme assim. No fim das contas, fiquei com mais pena ainda do anti-herói deste filme: ninguém acreditava no potencial dele, nem mesmo seu diretor.

Desejo e Reparação

2008-02-01T11:39:00.000-02:00

(Joe Wright, 2007)

Revista Paisà atualisada. Dessa vez só tem crítica de filme polêmico: A Desconhecida, Eu Sou a Lenda e o romeno 4 Meses. Eu fiquei com Desejo e Reparação. Para ler minha crítica, clique aqui.

Uma coisa que faltou abordar no meu texto (por falta de espaço) foi a seqüência final. O Filipe Furtado já tinha esboçado algo no blogue dele sobre os problemas do desfecho do filme, então vou contribuir com algums idéias minhas. Basicamente, Joe Wright quer que a gente perdoe a Briony pelo que fez e ainda quer nos emocionar com a redenção literária dela. Ele realmente acredita que uma reparação, ainda que mínima, é possível através da arte. Daí a aparição da Briony num desses programas de TV em que os entrevistados confessam suas mazelas publicamente; daí a imagem do casal andando feliz na praia. Achei isso bem ingênuo. Pessoalmente, prefiro o desfecho do livro - lá a conclusão é seca e o que fica na mente do leitor é a incrível arrogância da Briony em querer consertar o mundo através da arte.

A Lenda do Tesouro Perdido 2

2008-01-30T12:16:00.000-02:00

(Jon Turteltaub, 2007)

Eu estava muito disposto a defender este Livro dos Segredos de seus detratores, já que tinha gostado bastante do subestimado primeiro filme. Mas essa continuação não é boa, embora seja divertida em vários momentos. Tirando os problemas mais evidentes (menos enigmas; ação fraca; vilão bobo – Sean Bean não é Ed Harris, mas seu personagem tinha determinação) jogaram fora o que o longa original tinha de mais subversivo. Isto é, o fato de que apesar do herói (Nicolas Cage) ter a mais profunda reverência patriótica pelo passado dos EUA, ele não conseguia se ajustar com a América de hoje. O caçador de tesouros era desacreditado e perseguido pelas autoridades americanas, as quais fazia de trouxa várias vezes. Entretanto, em Livro dos Segredos, depois da seqüência que prometia ser a mais cara-de-pau – seqüestrar o Presidente americano pra obter informações vitais, trecho curiosamente aberto a interpretações gay – Cage é promovido a agente secreto com autorização presidencial. Infelizmente, a patriotada deve aumentar no obrigatório terceiro filme (“você leu a página 47?”). Espero estar enganado.

OBS: pena que o vídeo abaixo não tenha a cena na qual Cage e o Presidente, sozinhos no escurinho, procuram passagens secretas... não que haja algo de errado com isso.

Maria Sharapova

2008-01-26T18:23:00.000-02:00

Parabéns pela conquista! Dois comerciais bacanas com ela:

Eu Sou a Lenda

2008-01-20T23:16:00.000-02:00

(Francis Lawrence, 2007)

Um filme curioso, mas que só incomoda o espectador durante a projeção e não na saída do cinema. Como thriller é inegavelmente eficaz, ainda que funcione melhor quando os monstros digitais estão fora de cena. Como retrato de um homem à beira da loucura de tão carente e solitário, Eu Sou a Lenda tem momentos bem angustiantes com um excelente Will Smith. Já como ficção científica é pouco convincente porque nunca fornece detalhes satisfatórios sobre a praga que Smith combate (quão inteligentes são os infectados? Eles se reproduzem? Morrem de fome?).

O misticismo que o filme ensaia aos 30 do segundo tempo também é pouco desenvolvido, em parte porque a personagem da Alice Braga tem pouco tempo pra expor seu ponto de vista (e Francis Lawrence não é nenhum Shyamalan). Mas acho que o X da questão é que a premissa “mundo vazio” só se sustenta até certo ponto. O longa acaba de forma abrupta, antes de levantar questões mais fortes – como seria o admirável mundo novo dos sobreviventes, por exemplo? Ironicamente, faltam mais pessoas pra tornar Eu Sou a Lenda um grande filme.

Longe do Paraíso

2008-01-11T17:38:00.000-02:00

(Todd Haynes, 2002)

Por falar em política americana, não consegui parar de pensar no Barack Obama ao ver recentemente Longe do Paraíso. É porque faz parte do elenco Dennis Haysbert, que no seriado 24 interpretou David Palmer, o primeiro negro Presidente dos EUA. Achei irônico ele viver no filme do Haynes um jardineiro dos anos 50. Contudo, creio que trata-se duma feliz coincidência, pois a série estreou nos EUA no final de 2001 e demorou um pouco pra fazer sucesso.

Em Longe do Paraíso, Haysbert se apaixona por uma dona de casa (Julianne Moore). Infelizmente a proximidade dos dois só é possível a sós – em público seu comportamento é sempre observado e reprovado, tanto pelos brancos quanto negros. Repare como o filme é um constante jogo de olhares, seja retratando a intolerância ou o desejo, o público ou o privado. E voyerismo é inerente a idéia do cinema e TV.

Acrescente o fato de que o filme de Haynes, jamais poderia ter sido feito naquela época. Pois apesar de emular perfeitamente os melodramas de Douglas Sirk daquela década, a abordagem de sua temática é aberta demais. Mas até aí, quantos filmes do cinemão atual são assim? Quantos dão um espaço justo às minorias étnicas? Ou seja, mais do que a repressão dos anos 50 (e dos anos 2000), o verdadeiro alvo de Longe do Paraíso é a indústria audiovisual americana, de ontem e hoje.

Preste atenção no jogo de olhares:

A primeira mulher, o último homem

2008-01-10T15:35:00.000-02:00

Na história em quadrinhos Y – O Último Homem, Yorick – o único sobrevivente duma praga que varreu o sexo masculino da face da Terra – finalmente reencontra sua mãe, a deputada Brown, na Casa Branca. Porém, viúvas de políticos republicanos cercaram o lugar, fortemente armadas, pra tentar dar um golpe de Estado.

Yorick: Depois da morte de todos os homens, pensei que vocês, mulheres, estariam de mãos dadas nas Nações Unidas ou algo do tipo. Desde quando as mulheres se tornaram tão mesquinhas e... e loucas pelo poder?

Deputada Brown: Você não votou em Hillary?

Alguns vídeos importantes:

Meu Nome Não é Johnny

2008-01-07T22:45:00.000-02:00

(Mauro Lima, 2008)

Um amigo visitou recentemente meu blog, viu a cotação que dei pra este filme e mandou um e-mail. Ele disse que o trailer parecia um compacto do longa em dois minutos: Selton Mello curte a vida, vai pra Europa, é preso e se redime no tribunal. Ele queria saber se o filme era só isso, pra esperar por ele nas locadoras e poupar R$ 18,00.

Respondendo meu amigo: de fato, o filme é isso aí. Um conto moralista sobre como não compensa alcançar as fantasias da classe média (dinheiro sem trabalhar, turismo internacional) através do tráfico. A lição fica clara quando a câmera adota pela primeira vez o ponto de vista subjetivo do personagem de Mello – João Estrella – ao entrar na prisão, filmada como um zoológico de pretos ferozes e estúpidos. Acrescente também que Meu Nome Não é Johnny gira o tempo todo em torno das piadinhas do Mello, às custas de narrativa e personagens. Ficamos sem saber, por exemplo, os detalhes dos négocios de João com seus “sócios”, já que estes entram e saem da trama sem ganhar importância.

Contudo, apesar de tudo isso, em nenhum momento detestei o filme (embora a cotação lá em cima sugira o contrário). Achei simpático o esforço de Mauro Lima em retratar João Estrella como um anti-herói trágico de tão inconseqüente: apesar de ganhar rios de dinheiro, ele gastava tanto que não conseguia pagar a conta de luz. Nesses momentos eu percebia que havia potencial prum filme bem melhor que aquele que estava vendo.

O Ano do Dragão

2008-01-05T19:04:00.000-02:00

(Michael Cimino, 1985)

Olha, vou ser sincero – escrever sobre grandes filmes pode ser um saco. Por exemplo, no caso de algo com a grandeza de O Ano do Dragão, rabiscar alguma coisa após vê-lo pela primeira vez é como segurar água com as mãos: muita coisa escorre pelos dedos. Mesmo assim resolvi arriscar algumas linhas.

Pelo pouco que entendi, é um filme sobre a busca pela identidade na América. Isso fica claro quando o capitão Stanley White (Mickey Rourke) conversa com a jornalista no restaurante de Chinatown. Ele mostra uma foto de quando as ferrovias foram construídas. Na foto há os empresários, engenheiros e até operários – exceto operários chineses. Esses morreram anônimos.

Este curto diálogo mostra a contradição do policial, um veterano do Vietnã que odeia asiáticos, mas paradoxalmente deseja redimi-los, americanizando-os como a si próprio (ele é polonês, mas mudou de nome). Obcecado por sua busca, o detetive arruina diversas vidas, incluindo a própria – impressionante a imagem dele ao sair fumegando dum carro em chamas. Quando Stanley encurrala o chefão de Chinatown, Joey Tai (John Lone), o bandido pede ao policial uma arma pra suicidar-se, pois não quer apodrecer na prisão.

Corta pro funeral de Joey, o último num filme que tem três! Stanley está lá, ainda obcecado, querendo prender todo mundo. O filme termina com seu rosto, numa imagem congelada (como uma foto). Igual a Joey – e diferente dos anônimos que pereceram em sua guerra particular – Stanley só não quer morrer esquecido pela América. ___________________________________________________________

Marcadores Importantes

2008-01-03T21:24:00.000-02:00

Acrescentei uma subseção na coluna lateral que vai funcionar como uma espécie de índice pra este blog: Marcadores Importantes, que vai ser exatamente isso, uma reunião dos marcadores mais importantes deste blog. A idéia é ajudar quem está visitando este blog e talvez deseje dar uma garimpada nos posts mais antigos - agora você tem uma ferramente a mais pra fazer isso.

Por enquanto coloquei diversos tipos de marcadores, desde os vitais pra este blog (Filmes, claro), passando pelos desativados mas muito populares (Musas da Semana) até chegar naqueles que tem poucos posts mas que devem crescer com o tempo (Curtas, Cineastas). Depois devo acrescentar outros marcadores e retirar os que se mostrarem pouco importantes. ___________________________________________________________

DEZEMBRO

2008-01-01T11:38:00.000-02:00

Filmes no Cinema

Um Amor Jovem (Ethan Hawke, 2006)
Conduta de Risco (Tony Gilroy, 2007)
Conversas com meu Jardineiro (Jean Becker, 2007)
Em Paris (Christophe Honoré, 2006)
Encantada (Kevin Lima, 2007)
Império dos Sonhos (David Lynch, 2006)
Lady Chatterley (Pascale Ferran, 2006)
Novo Mundo (Emanuele Crialese, 2006)
O Sobrevivente (Werner Herzog, 2006)
Sombras de Goya (Milos Forman, 2006)

Filmes em Casa

Aguirre, a Cólera dos Deuses (Werner Herzog, 1972)
Caminho Sem Volta - versão do diretor (James Gray, 2000)
Coração de Cristal (Werner Herzog, 1976)
Coração Selvagem (David Lynch, 1990)
Depois do Vendaval (John Ford, 1952)
El Topo (Alejandro Jodorowsky, 1970)
En Construcción (José Luis Guerín, 2001)
A Estrada Perdida (David Lynch, 1997)
Os Excêntricos Tenenbaums (Wes Anderson, 2001)
A Felicidade não se Compra (Frank Capra, 1946)
Innisfree (José Luis Guerín, 1990)
Ma Mère (Christophe Honoré, 2004)
Milagre na Rua 34 (George Seaton, 1947)
A Montanha Sagrada (Alejandro Jodorowsky, 1973)
A Mulher é o Futuro do Homem (Hong Sang-Soo, 2004)
Oasis (Lee Chang-dong, 2002)
Peppermint Candy (Lee Chang-dong, 2000)
Romanzo Criminale (Michele Placido, 2005)
Tren de Sombras (José Luis Guerín, 1997)
Três é Demais (Wes Anderson, 1998)
Veludo Azul (David Lynch, 1986)
Velvet Goldmine (Todd Haynes, 1998)
Veneno (Todd Haynes, 1991)
When the Levees Broke (Spike Lee, 2006)

A foto é do filme do mês visto no cinema – Lady Chatterley. Engraçado perceber que, se eu tivesse assistido o filme da Pascale Ferran assim que estreou em novembro, o filme de dezembro teria sido Império dos Sonhos (apesar de Encantada e O Sobrevivente serem filmões também).

Além disso foi bacana perceber que, em termos de cinefilia, dezembro foi um mês especial pra mim. Faz muito, mas muito tempo mesmo que não assisto tantos filmes quanto nesse mês que passou. Vamos ver se consigo repetir a dose em janeiro. E agora ânimo pessoal, pois temos um ano totalmente novo pela frente! ___________________________________________________________

Os Melhores de 2007

2007-12-31T19:14:00.000-02:00

Abaixo estão as fotos dos 10 melhores filmes exibidos no circuito comercial de São Paulo (Mostra SP, por exemplo, não vale) em 2007, em ordem de preferência – o melhor no topo. Se bem que só 10 parece pouco, pois esse ano foi excepcional – os três primeiros colocados são quase um empate técnico. Aliás, daria pra formar uma outra lista quase tão boa com aqueles que ficaram de fora do top 10:

11º Os Anjos Exterminadores; 12º Império dos Sonhos (David Lynch, 2006); 13º Exilados (Johnnie To, 2006); 14º Ratatouille (Brad Bird, 2007); 15º Tropa de Elite (José Padilha, 2007); 16º Cão Sem Dono (Beto Brant e Renato Ciasca, 2007); 17º Encantada (Kevin Lima, 2007); 18º Déjà Vu (Tony Scott, 2006); 19º O Sobrevivente (Werner Herzog, 2006); 20º Maria Antonieta (Sofia Coppola, 2006).

Além disso, também merecem destaque (em nenhuma ordem): Conceição - Autor bom é autor morto; Ponte para Terabítia; Borat; A Conquista da Honra; Quebra de Confiança; Conversas com meu Jardineiro.

Por fim, desejo tudo de bom a todos vocês em 2008, seja dentro dum cinema ou fora dele. Feliz Ano Novo!

UPDATE: bizarro, mas esqueci de incluir a foto de Ligeiramente Grávidos na seqüência abaixo. Bom, problema corrigido.

Conversas com meu Jardineiro

2007-12-31T16:47:00.000-02:00

(Jean Becker, 2007)

É perfeitamente compreensível que com o cansaço de fim de ano os cinéfilos queiram distância até do cinema. Mesmo assim, recomendo que você pelo menos se arrisque com Conversas com meu Jardineiro. É sobre um pintor (Daniel Auteuil) que sai de Paris e volta a morar na cidadezinha onde nasceu. Ele contrata um jardineiro (Jean-Pierre Darroussin) que já foi seu amigo de infância. Aos poucos os dois forjam uma nova amizade, mais madura. Eles conversam bastante e a gente se surpreende com a força e beleza das aparentes banalidades que discutem. É claro que (vamos entrar em acordo desde já) Jean Becker não é nenhum Eric Rohmer. De fato, certas escolhas dele, como uns planos de câmera na mão, soam esquisitas.

Mas o filme tem duas coisas muito fortes a seu favor – além dos atores. Primeiro, a maneira como passa em imagens as agradáveis sensações de tranqüilidade e sossego daquele lugar. Segundo, o modo como os dois protagonistas constróem sua relação, erguida não em interessas comuns (são pessoas radicalmente diferentes, o filme não nos deixa esquecer isso), mas numa admiração sincera pelos pontos positivos do estilo de vida de cada um. Há um desejo de aprender sobre o outro, mas esse processo (você vai ver o porquê) não chega a se completar. Resta o plano final, uma das imagens mais emblemáticas e sinceras sobre amizade do cinema recente.

Absurda

2007-12-30T19:13:00.000-02:00

(David Lynch, 2007)

Pelo que li, este curta-metragem do Lynch deveria ter sido parte do longa Cada Um Com Seu Cinema, um péssimo filme de episódios feito pra comemorar os 60 anos de Cannes. Se tivesse sido finalizado a tempo, Absurda teria sido um dos melhores episódios.

Eu nem vou tentar analisar o curta, ou algo assim, pra não estragar a surpresa de vê-lo pela primeira vez. Vou apenas sugerir que prestem atenção no incrível uso de som e no efeito desorientador de filme-dentro-do-filme. Quem está na sala de cinema e quem está na tela, dentro do filme? Na primeira vez eu achava que sabia resposta, mas nas revisões fui ficando cada vez mais em dúvida. ___________________________________________________________

Estou morando com uma gata

2007-12-27T13:27:00.000-02:00

Mas só por alguns dias. Trata-se de Celine, minha linda sobrinha adotiva. Minha irmã e cunhado viajaram pra praia e a deixaram comigo. Celine é jovem, muito inteligente, belíssima, mas tímida demais. Por isso no começo foi difícil convencê-la a estrelar este exclusivo ensaio fotográfico pro Negativo Queimado, mas no fim ela confiou no tio.

Agora, sem mais embromação, conheçam Celine!

A Felicidade não se Compra

2007-12-27T00:39:00.000-02:00

(Frank Capra, 1946)

O período das festas de Natal e Ano Novo provavelmente deve ser o meu preferido do ano. Porém, a pegadinha dessa época é a regra não escrita de que você tem que estar feliz. Se estiver triste ou sério, "há algo errado em você". Acho que Frank Capra foi quem melhor entendeu isso, já que cheguei a reflexão acima após ver pela primeira vez A Felicidade não se Compra, talvez seu filme mais famoso.

Vendo o filme, fiquei surpreso ao perceber semelhanças temáticas com o recente Os Donos da Noite de James Gray. Ambos são sobre filhos que não escapam da influência paterna. No caso de Capra, o protagonista George Bailey (James Stewart) sonha em abandonar sua cidadezinha e viajar pelo mundo. Mas com o passar dos anos esse sonho vai ficando mais distante já que ele herda as responsabilidades, não só empresariais mas – principalmente – cristãs, do pai. Pois, quase como um herói fordiano, George vive para os outros e não para si, usando o pouco dinheiro que ganha pra ajudar os moradores de sua vila.

Contudo, o que separa Capra de John Ford e até de James Gray é que o cinema destes dois últimos sempre ressalta de forma inconformada a dureza de viver de maneira tão sacrificada. Estes cineastas entendem a dor de seus personagens. Já Capra acha que "há algo errado" em George e faz de tudo para convertê-lo ao espírito natalino. Pessoalmente, qualquer filme que termina com seu protagonista num ataque psicótico de felicidade (por ter aprendido a esquecer seus sonhos) me assusta muito mais do que vários filmes de terror. Mas não vou negar a beleza de alguns momentos deste A Felicidade não se Compra, nem alguma eficiência em sua catequese. Afinal, a regra é clara: Feliz Natal!

AVISO: o vídeo é o final do filme.

Papai Noel caprichou esse ano

2007-12-25T19:13:00.000-02:00

Olha só o que ganhei de presente...

Um Feliz Natal pra todos vocês! ___________________________________________________________

Wes Anderson

2007-12-18T21:48:00.000-02:00

Finalmente terminei minha revisão da obra completa de Wes Anderson. Hora de fazer meu Top 5. Quem concorda comigo?

1º - Três é Demais (1998)
2º - Pura Adrenalina (1996)
3º - Os Excêntricos Tenenbaums (2001)
4º - Viagem a Darjeeling (2007)
5º - A Vida Marinha com Steve Zissou (2004)

Ver ou rever todos os filmes dele me permitiu entender um pouco melhor suas qualidades e também seus defeitos – especialmente dos últimos filmes. Basicamente, todos os filmes dele são sobre grupos de pessoas que têm uma forma de pensar e agir toda própria – e nada comum. A câmera de Anderson abraça completamente a filosofia de vida de seus personagens, com cortes e movimentos inesperados e incomuns. Assim, para realmente gostar do cinema dele é preciso ter vontade de fazer parte desses grupos.

Contudo, os problemas de Anderson começam a partir de Os Excêntricos Tenenbaums, quando ele passa a ficar mais interessado em intensificar a extravagância de seu estilo e menos na dramaturgia. Tanto nos Tenenbaums quanto – principalmente – em seus dois últimos filmes, cada cena parece ter sido hiperplanejada pra ser única, memorável e especial. Por causa disso, Viagem a Darjeeling e A Vida Marinha com Steve Zissou não respiram nem deixam o espectador respirar.

Também foi frustrante perceber o quanto Wes Anderson se tornou mais conciliador com o tempo. Parte da beleza de seus primeiros trabalhos estava na ausência de resoluções ou saídas. Em Pura Adrenalina, por exemplo, Owen Wilson (que sempre interpreta figuras catalisadoras no cinema de Anderson) caminha – ainda que confiante – prum destino incerto; já em Três é Demais o protagonista termina o filme ainda dividido entre seus dois “pais” e seus dois amores.

Seus filmes seguintes, em compensação, insistem numa idéia de reconciliação familiar e afetiva cada vez mais fácil (A Vida Marinha com Steve Zissou sendo o pior exemplo disso). Além disso, tanto em Pura Adrenalina quanto Três é Demais, a condição econômica dos personagens desempenha um papel decisivo em suas ações. Esse tipo de comentário social (incomum no cinema americano) foi se atenuando progressivamente.

Então Wes Anderson caminha pro abismo? De jeito nenhum. Pois se A Vida Marinha com Steve Zissou é o que mais acumula seus problemas como cineasta, Viagem a Darjeeling já dá sinais de vida. Quando o trio de heróis abandona suas malas (representando o peso de seu passado) pra pegar um trem, a gente pode sentir o próprio Anderson fazendo a mesma coisa. Vamos torcer pra termos razão.

Revista Paisà 10

2007-12-17T14:22:00.000-02:00

Já está nas bancas a décima edição. Esse número deve ser, francamente, um dos melhores (ou o melhor mesmo) da revista até agora. Muita coisa boa: reflexões sobre os recentes festivais de cinema - Mostra SP, Rio e Amazonas - muitos textos sobre Gus Van Sant, uma ótima crítica de A Espiã, Godard em DVD e muito mais. Eu contribuí com críticas de Um Amor Jovem e Conduta de Risco. Uma edição imperdível! ___________________________________________________________

Encantada

2007-12-16T19:09:00.000-02:00

(Kevin Lima, 2007)

"Sem nenhuma ironia!", alguém diz a Príncipe Edward quando ele fala (de fato, sem nenhuma ironia) que Gisele é a mulher de sua vida. Essa sinceridade é o ponto de partida das diversas qualidades de Encantada, merecido fenômeno de bilheteria da Disney. Se a trilogia Shrek se contentava em ser um catálogo de ironias fáceis e citações pop "espertas" (e, no fim das contas, reproduzia a fórmula daquilo que supostamente satirizava), Encantada emociona com sua crença absoluta no amor, nos contos de fada e no "felizes para sempre".

Tudo começa (ou "era uma vez") num reino encantado em que Gisele e Príncipe Edward são personagens de animação 2D. No dia do casamento deles, a madrasta de Edward expulsa Gisele para um lugar onde, segundo ela, não há finais felizes – Nova York. Gisele deixa de ser um desenho animado e ganha o corpo de Amy Adams, talvez a grande responsável pelo carisma irresistível do filme. Ela interpreta Gisele, sem nenhuma ironia, como alguém de fé inabalável no amor e na bondade humana.

Gisele esbarra na rua com um advogado (Patrick Dempsey) que serve como ponto de identificação pros espectadores. Ao menos aqueles que, assim como ele, inicialmente acharem a garota e o próprio filme duma grande tolice. Mas aos poucos ele vai amolecendo e entrando no jogo (idem pro espectador e pra este crítico). Talvez a seqüência musical no Central Park – um dos pontos altos do filme – seja a que melhor ilustra isso. Quando Gisele começa a cantar, as reações de Dempsey espelham o público cético. No começo ele torce o nariz prum número musical, depois debocha e no fim é flagrado pela câmera curtindo a canção.

Portanto, Encantada não tenta ridicularizar a idéia de um conto de fadas no mundo real. Ao contrário, a lógica de Gisele invade a "realidade". Ela cria números musicais e conversa com animais. Mas, ao mesmo tempo, descobre como é ser de carne e osso (só que esse aspecto do filme merecia uma outra crítica). Quando finalmente a madrasta malvada invade Nova York ninguém na platéia estranha sua aparição ou suas bruxarias. Ou seja, ao contrário da madrasta de Edward, o objetivo de Gisele/Encantada é fazer o espectador crer na magia do final feliz – seja com atores ou desenho animado. Com uma mulher como Amy Adams fica até fácil demais acreditar nisso.

Amy Adams

2007-12-15T12:24:00.000-02:00

Bottle Rocket

2007-12-11T17:10:00.000-02:00

(Wes Anderson, 1994)

Olha a raridade que achei: o primeiro trabalho de Wes Anderson como diretor, o curta Bottle Rocket. Filmado em 1992, só foi distribuído em 94. Pena que a imagem não está boa e pra ouvir o filme eu tive que colocar o volume do meu monitor no máximo. Mas vale a pena assistir assim mesmo, especialmente se você for um fã do diretor como eu.

É bacana perceber como Wes Anderson já demonstrava aqui o tipo de cinema que gosta e faria mais tarde. Inclusive, ele conseguiu adaptar o curta Bottle Rocket no seu primeiro longa-metragem, também intitulado Bottle Rocket (no Brasil ganhou o nome de Pura Adrenalina). Pra saber mais sobre esse processo, clique aqui.

O longa-metragem é muito melhor que o curta - pensem nele como um aperfeiçoamento da primeira versão - na verdade é o segundo melhor longa da carreira do Anderson. Por isso também ganha minha recomendação. Como curiosidade, acrescentei o vídeo abaixo, com uma das minhas cenas favoritas de Pura Adrenalina. Comparem:

Mutum

2007-12-11T10:41:00.000-02:00

(Sandra Kogut, 2007)

Revista Paisà atualisada. Muitos textos legais, mas o destaque vai pras críticas de Os Donos da Noite e O Reino. Eu colaborei com Mutum, belo filme nacional de Sandra Kogut. Para ler minha crítica, clique aqui. ___________________________________________________________

Dexter – 2ª Temporada

2007-12-08T15:00:00.000-02:00

(James Manos Jr., 2007)

Se há um seriado na TV americana mais obcecado com a idéia de identidades secretas do que Dexter, por favor, me avisem. Na 1ª temporada conhecemos Dexter, o serial-killer que acredita ser herói e caça criminosos. Frio, assexuado e profundamente perturbado, ele dividia seu tempo entre esquartejar assassinos e fingir ser normal diante dos amigos. Mas o que é ser normal? Essa é a pergunta que o psicopata (e a série) fazia ao espectador toda semana.

Aos poucos tudo mudou. O confronto de Dexter contra o Assassino do Caminhão de Gelo (ou ITK) – que conhecia sua vida secreta – o forçou a perceber que realmente se importa com a irmã Debra e a namorada Rita (ao invés de continuarem sendo ferramentas para manter sua máscara de normalidade). Esse pequeno crescimento emocional teve seu preço. O desfecho do conflito com ITK foi tão traumático que Dexter começou esta 2ª temporada com sérias dúvidas em continuar matando – e sofrendo crises de abstinência por isso.

Assim, a pergunta que Dexter passou a fazer neste 2º ano é: quem é Dexter? Para responder ou não esta questão, a 2ª temporada adotou a mesma estratégia narrativa da anterior. Os primeiros seis episódios foram mais estudos de personagem (do protagonista e de seus coadjuvantes) enquanto a trama principal – neste ano, os crimes de Dexter sendo investigados pela polícia – era desenvolvida a conta-gotas. Em ambas as temporadas, a história só decolou nos seis episódios finais. Mas que decolagem!

Pena que, no fim das contas, este ano sofreu um pouquinho com a falta de um antagonista tão forte e surpreendente quanto o ITK. Ao invés disso o destaque foi pra rivalidade de Dexter com o sargento Doakes. A interação entre os dois rendeu alguns dos melhores momentos da série como um todo. Já Lila, que entrou prometendo algo sexy e sinistro, se revelou apenas mais uma fêmea obsessiva. Inclusive, essa deve ser a primeira vez numa história estilo “atração fatal” que o perseguido é infinitamente mais perigoso que a perseguidora. Mesmo assim, essa ironia foi pouco explorada.

Outro idéia desperdiçada foi Dexter sendo saudado pela população de Miami como herói (assim que foi revelado que sua vítimas eram criminosas). Se isso tivesse sido melhor explorado, teria levantado questões interessantes sobre o fascínio que o público sente por Dexter – personagem que tanto poder ser heróico, quanto egoísta, cômico, trágico e patético. Contudo esse fascínio não passa totalmente sem ser questionado. Na última seqüência do episódio final, Dexter clama pra si o direto de não ter certeza sobre quem é. Então ele olha pro espectador e parece perguntar: quem é você?

O Melhor de Dexter – 2ª Temporada

2007-12-07T11:29:00.000-02:00

Pra quem ainda não sabe, os dois últimos episódios da 2ª Temporada de Dexter vazaram na rede muito antes de serem exibidos. Aguardem uma crítica minha. Por enquanto apenas fiquem com o que, na minha opinião, o 2º ano teve de melhor.

Top 5

1º - 02.09 Resistance is Futile
2º - 02.08 Morning Comes
3º - 02.03 An Inconvenient Lie
4º - 02.07 That Night, A Forest Grew
5º - 02.12 The British Invasion

Melhor Momento: Dexter visita Lila após descobrir que ela invadiu a casa de Rita. A atuação de Michael C. Hall é sempre perfeita, mas nessa cena aqui a interpretação dele atinge níveis que... bom, não conheço uma palavra melhor que perfeita, então digamos que a atuação dele é mais-que-perfeita.

Momento mais engraçado: Dexter chega a conclusão que a melhor maneira de lidar com a sogra é tratá-la como uma alienígena. De cair no chão.

Momento mais tenso: o final de Resistance is Futile. Após se esquivar das autoridades por tanto tempo Dexter finalmente é encurralado. O destaque vai pro olhar dele ao ser algemado.

Momento mais bizarro: o agente Lundy manda Debra lavar as mãos antes de jantar... e ela fica com tesão.

Menção Honrosa: momento Zidane do Dexter. Doeu até em mim! ___________________________________________________________

2º Mostra Cinema e Direitos Humanos na América do Sul

2007-12-07T09:04:00.000-02:00

Hoje tem a sessão de abertura Matar a Todos e a Mostra começa pra valer amanhã. Fica a dica do Fernando Spuri:

"Sou leitor do Negativo há bastante tempo e queria te falar sobre um projeto que estou participando, a 2º Mostra Cinema e Direitos Humanos na América do Sul. Serão 37 filmes produzidos por toda a América do Sul (longas, médias, curtas, animações, documentários), relacionados com a Declaração Universal dos Direitos Humanos.

Filmes como o brasileiro “Você também pode dar um presunto legal” de Sergio Muniz, filmado em 1971, e remontado somente em 2007, sobre a ação do Esquadrão da Morte na década de 60. Também serão exibidos obras do argentino veterano Fernando Solanas (Memoria del Saqueo, La Diginidad de los Nadies), do brasileiro Kiko Goifman (Direitos Humanos) e diversos outros cineastas da nova e da velha safra sul-americana.

Enfim, tem vários filmes legais e difíceis de serem encontrados, a grande parte independente. Toda a programação está no site da Mostra http://www.cinedireitoshumanos.org.br/, com o horário das palestras e dos filmes, tudo explicadinho. Se você gostar da proposta e quiser colocar alguma coisa no blog, seria sensacional." ___________________________________________________________

En Construcción

2007-12-05T17:20:00.000-02:00

(José Luis Guerín, 2001)

Como se constrói um prédio? Com tijolos. E um filme? Com planos. Mas ambos também são feitos de pessoas, histórias e memórias. José Luis Guerín, diretor de En La Ciudad de Sylvia (alguém viu?) abre o documentário En Construcción com imagens antigas de El Chino, bairro de baixa renda de Barcelona. No presente, um imóvel caro está sendo construído no local, freqüentemente custando o sossego dos vizinhos. Afinal, para construir alguma coisa (prédios, filmes, relações amorosas, etc) é preciso destruir o que estava no lugar. Num incrível golpe de sorte conceitual do Guerín, a construção em questão é interrompida quando se descobre um cemitério centenário no local.

Portanto, na arquitetura e no cinema o novo vai perpetuamente se sobrepondo ao antigo – mas o antigo (prédios, filmes) insiste em reaparecer soterrado. No fim o prédio é finalizado, provavelmente o primeiro de muitos que irão transformar o El Chino. Guerín filma este processo de transformação num tom meio indeciso entre ser apenas um registo de coisas vistas e ouvidas ao redor da construção – como ele promete fazer nos letreiros iniciais – ou aproximar mais a câmera dos operários e dos vizinhos da construção e descobrir quem são eles. Mas seu olhar para filmar lindos planos sem sufocar a narrativa continua firme. E num filme sobre prédios, o cineasta espanhol opta por encerrar com dois namorados andando pela rua, um literalmente carregando o outro. As pessoas são o mais importante (nos edifícios, nos filmes) e também estão sempre em construção. ___________________________________________________________

Pão e manteiga

2007-12-05T13:23:00.000-02:00

Após ler que as primeiras críticas - muito positivas - de Sweeney Todd, musical macabro de Tim Burton e (mais uma vez) Johnny Depp eu parei pra pensar em como no cinema de vez em quando surgem colaborações fortíssimas entre um ator e um diretor. Sintonias tão perfeitas que o ator parece ter saído de dentro de um filme do cineasta em questão pra morar na vida real, ao invés do contrário. Eu reuni alguns exemplos disso, antigos e recentes:

Tim Burton - Johnny Depp
James Gray – Joaquin Phoenix
John Carpenter – Kurt Russell
Alfred Hitchcock – James Stewart

Alguém mais quer aumentar essa lista? Como regra, só aceito duplas que trabalharam pelo menos duas vezes. De resto, vale qualquer sugestão de duplas - antigas, recentes e exóticas.

UPDATE: Também está valendo nessa enquete ATRIZES.
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NOVEMBRO

2007-12-03T17:42:00.000-02:00

Filmes no Cinema

Antes Só do que Mal Casado (Peter & Bobby Farrelly, 2007)
A Coragem de Amar (Claude Lelouch, 2005)
Os Donos da Noite (James Gray, 2007)
Jogo de Cena (Eduardo Coutinho, 2007)
Mutum (Sandra Kogut, 2007)
Planeta Terror (Robert Rodriguez, 2007)
O Reino (Peter Berg, 2007)
Viagem a Darjeeling (Wes Anderson, 2007)
A Vida dos Outros (Florian Henckel von Donnersmarck, 2006)

Filmes em Casa

Um Amor Jovem (Ethan Hawke, 2006)
Fuga para Odessa (James Gray, 1994)
O Plano Perfeito (Spike Lee, 2006)
Pura Adrenalina (Wes Anderson, 1996)
A Salvo (Todd Haynes, 1995)

Para este post eu acrescentei alguns títulos que não tive tempo de colocar na coluna lateral em Filmes no Cinema. Um deles, infelizmente, NÃO foi Lady Chatterley porque ainda não tive oportunidade de assistir. Portanto, pra mim o destaque do mês foi mesmo o delicioso Planeta Terror, mas James Gray conquistou minha confiança com seu Os Donos de Noite (eu não gostei de seu filme anterior). Pra tirar o cineasta a limpo vi seu primeiro longa, Fuga para Odessa, e estou convencido do talento dele. Aliás, novembro foi mês de completar a filmografia de Wes Anderson – com o ótimo Pura Adrenalina – e começar a conhecer a de Todd Haynes, com a assustadora obra-prima A Salvo. Pra dezembro, pretendo continuar a peregrinação Haynes e ver os Werner Herzog que ainda não conheço. Afinal, seu polêmico O Sobrevivente estréia neste fim-de-semana! ___________________________________________________________

O Reino

2007-11-30T16:15:00.000-02:00

(Peter Berg, 2007)

É questionável o oportunismo de certos filmes de ação que divertem o espectador com sua violência mas também pregam que essa mesma violência é "errada". Esse ano tivemos Tropa de Elite, agora temos nos cinemas O Reino. Curiosamente, ambos são sobre "tropas de elite" em ação contra um inimigo numeroso e sanguinário.

O Reino atinge o ápice do oportunismo no terceiro ato, numa asquerosa seqüência em que meia dúzia de mocinhos (americanos e sauditas) correm contra o tempo para salvar um agente do FBI de ser decapitado por terroristas. O grupo enfrenta dúzias de inimigos num bairro pobre duma cidade saudita, destrói a vizinhança e triunfa no final, com direito a piadinha. Contudo, estou disposto a dar o benefício da dúvida para O Reino. O diretor Peter Berg encena muitas sutilezas dignas de nota. Por exemplo, é interessante o paralelo feito entre as equipes americana e saudita e suas dificuldades em lidar com as autoridades políticas de seus respectivos países.

Também é de fundamental importância a presença de crianças intercalando a narrativa – dois momentos se destacam: no primeiro, você dificilmente achará em outro filme americano recente um plano como o da menina abraçada ao avô durante um tiroteio; o segundo, a montagem paralela que encerra O Reino. Esse desfecho contundente não redime o filme de alguns problemas estéticos e dramáticos, mas te faz repensar tudo que foi visto até então e mostra que Peter Berg tem algo relevante a dizer com sua câmera. Pra mim já tá bom.

Mulheres em perigo?

2007-11-29T15:58:00.000-02:00

Ok, estou um pouco atrasado pra comentar sobre isso, mas tá valendo: você sabe que tem algo de muito errado com nossas autoridades (políticas, policiais) quando uma moça, um ser humano, é mantida numa cela com dezenas de homens por quase um mês sendo violentada diversas vezes e a maior preocupação é determinar se ela tinha 15 ou 19 anos. ___________________________________________________________

Cineclubes em perigo?

2007-11-29T15:18:00.000-02:00

E-mail que recebi de um amigo e achei muito importante compartilhar com vocês.
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Consórcio Europa Filmes processa universidade devido a Cineclube
Por PROPRIEDADE INTELECTUAL 19/11/2007 às 21:22

No mês de setembro, ocorreu a Jornada Nacional de Cineclubes Brasileiros,incentivo a atividade cineclubista, na Universidade Federal do Espírito Santo (UFES). Porém, passados 2 meses, na quarta-feira (14) a universidade foi condenada a pagar indenização pelas atividades do Cine Falcatrua, o qual funciona desde 2004 na universidade. A ação surgiu devido a exibição do filme "Fahrenheit 911", do cineasta Michel Moore. O consórcio Europa, responsável pela distribuição do filme, entrou com pedido de indenização por danos patrimoniais e morais que dentre outros solicita "destruição dos equipamentos usados para as exibições". A juíza da 6ª Vara Federal Cível,Renata Coelho Padilha Gera julgou parcialmente procedente os pedidos indenizatórios.

A UFES deverá pagar multa diária de R$ 10 mil por novas infrações semelhantes. Também foi condenada a pagar ao Consórcio Europa, a título de dano material, o valor correspondente aos custos de aquisição para distribuição da obra exibida. Em comunicado recente os cineclubes brasileiros apelam "a todas as forças da sociedade para se posicionarem contra esse grave precedente, ainda em primeira instância, que atenta contra o direito que tem todo ser humano 'de participar livremente da vida cultural da comunidade, de fruir as artes e de participar do progresso científico e de fruir de seus benefícios' (Declaração Universal dos Direitos Humanos)".

Em entrevista recente, o cineasta Michel Moore afirmou: "Não concordo com as leis de direitos autorais e não quero criar um problema com pessoas que querem apenas assistir aos filmes. Enquanto não tentarem lucrar com o meu trabalho, para mim está tudo bem". As exibições no Cine Falcatrua costumam ser gratuitas, respeitando assim a legítima decisão do autor. ___________________________________________________________

Os Donos da Noite

2007-11-23T17:19:00.000-02:00

(James Gray, 2007)

Os Donos da Noite inverte nossas expectativas, começando com uma seqüência de fotos verdadeiras retratando ações policiais (prisões e apreensões) para mostrar em seguida uma mulher, Eva Mendes, masturbando-se diante do namorado Bobby Green (Joaquin Phoenix, soberbo). Onde está a polícia? A cena flutua em câmera lenta ao som de "Heart of Glass" da Debbie Harry. Estamos em outro filme, infinito enquanto dura. Bobby acaricia a namorada e diz que se morresse agora seria o homem mais feliz do mundo – ao longo do filme ele vai preferir que seu desejo tivesse sido atendido.

Essa cena é interrompida pelo restante do filme – Jumbo, o melhor amigo de Bobby bate na porta do casal. O trio está na boate El Caribe, "Heart of Glass" está tocando no local e o ano é 1988. Aos poucos o cineasta James Gray põe em cena a delicada teia de relações afetivas e amorosas de Bobby. Ele vai se casar, tem um amigo que age como irmão e é gerente do El Caribe, cujo proprietário é como um pai pra ele. Bobby é o dono da noite – assim ele pensa.

Sua crença começa a ser abalada quando vai visitar sua verdadeira família, composta pelo irmão (Mark Wahlbergh) e pelo pai (Robert Duvall) – ambos policiais. Nessa seqüência, uma confraternização de policiais na igreja local, fica claro que por sua independência e estilo de vida Bobby é a ovelha negra de sua família de sangue. A igreja marca o começo de sua dolorosa conversão espiritual. Seu pai o alerta que a máfia russa ronda o El Caribe e há uma guerra acontecendo entre a polícia e os bandidos, com os quais a "família" adotiva de Bobby está mais envolvida do que ele imagina. Nessa guerra o filho pródigo terá que escolher um lado.

Encima do muro que separa suas duas famílias – a do crime e da lei & ordem – Bobby faz sua escolha. O que nas mãos de um diretor qualquer seria um conto moralista se torna uma tragédia metafísica pra James Gray. Só é possível entender esse aspecto de Os Donos da Noite prestando atenção no rosto dos atores, especialmente no de Joaquin Phoenix. Pois toda escolha implica em perdas – e Bobby sofrerá muitas das duas famílias. Sua onda de infortúnios atinge o ápice numa perseguição de carros sob chuva pesada filmada em tom de pesadelo e com agressividade inédita. A câmera praticamente não abandona o interior do carro de Bobby e o volume de água sugere seu afogamento espiritual.

Da água pro fogo: esse trauma evapora no desfecho – um tiroteio numa plantação em chamas que poderia ter sido filmado por Andrei Tarkovsky – quando Bobby enfim purifica seus medos e dúvidas. Contudo, no epílogo, se olharmos o rosto de Bobby perceberemos que consciência limpa e felicidade são duas coisas que nem sempre caminham juntas. Resta, no comovente plano final, o amor da família: será isso suficiente?

Acréscimos & decréscimos

2007-11-23T11:35:00.000-02:00

Fiz algumas modificações importantes na coluna lateral. Acrescentei o blog Girish e adicionei uma porção de sites novos, todos sobre cinema, claro. O único critério que adotei (ao menos por enquanto) foi de acrescentar apenas sites de atualização constante, que não apresentaram problemas navegação e escritos num idioma que consigo entender (por isso ainda não coloquei endereços importantes como da Cahiers du Cinema, por exemplo).

Enquanto isso decidi manter apenas as cotações de séries de TV que estou acompanhando regularmente. Infelizmente devido a Mostra SP eu parei de acompanhar vários programas, deixando várias temporadas incompletas. Um dia pretendo concluir todas, mas por enquanto fico apenas com uma das minhas favoritas, Dexter. Pra compensar a ausência de tantos outros seriados, eu inclui a cotação de todos os episódios da segunda temporada de Dexter que vi até agora - ao invés de apenas os dois últimos vistos. Gostei do resultado, acho que dá uma boa idéia de como o show está progredindo pra mim. Acho que daqui pra frente farei o mesmo com todas as séries que estiver assistindo. ___________________________________________________________